Des photos étranges encore discutées des décennies plus tard

Le 1er juillet 1941, une religieuse de la Madonna House Nursery à New York a fait ce qu’il fallait pour garder ses élèves au frais. Ici, on la voit utiliser une tête d’arrosage fixée à un tuyau pour les arroser d’eau fraîche . Il y a forcément une métaphore ici sur le fait de s’occuper des jeunes pousses humaines afin qu’elles puissent devenir des adultes prospères qui portent le fruit de la clarté morale.

Quiconque a vécu une vague de chaleur estivale à New York ne l’oubliera probablement pas. Le béton et le ciment des bâtiments et des rues absorbent la chaleur, ce qui rend les températures de la ville plus élevées que celles des régions environnantes. Les bâtiments empêchent la circulation de l’air – vous êtes moins susceptible d’être soulagé par une brise fraîche lorsque vous êtes entouré d’immeubles d’appartements et de gratte-ciel. En plus de cela, les odeurs d’un été chaud et collant à New York sont un tout nouveau niveau de désagrément urbain. Nous n’avons pas de température pour le 1er juillet 1941 – la date à laquelle cette photo a été prise – mais nous pouvons vous dire que le 2 juillet, le thermomètre a atteint 98 degrés.

L’une des caractéristiques les plus impressionnantes du RMS Titanic et de son navire jumeau, le RMS Olympic, était le grand escalier, situé dans la partie avant du navire. Cette cage d’escalier ornée reliait les ponts de première classe aux salles publiques. Aucune photographie du grand escalier du Titanic n’est connue, et des photos comme celle-ci utilisent l’escalier olympique extrêmement similaire pour nous donner une impression du Titanic.

Voici comment les Grand Staircases du Titanic et de l’Olympic étaient décrits dans une brochure promotionnelle de l’époque :

Une introduction frappante aux merveilles et à la beauté de ces navires est le hall d’entrée et le grand escalier dans la section avant où l’on commence à réaliser pour la première fois la magnificence de ces bateaux à vapeur surpassant. Le Grand Staircase, large de seize pieds, s’étend sur soixante pieds et dessert sept ponts, dont cinq sont également desservis par les trois ascenseurs électriques. Il s’inspire étroitement du style si répandu sous le règne de William et Mary, sauf qu’au lieu de la balustrade fortement sculptée habituelle, une grille légère en fer forgé a été utilisée, une mode trouvée dans quelques-unes des grandes maisons les plus exclusives. de cette période. Le hall d’entrée et le grand escalier sont surmontés d’un dôme de verre d’une grande splendeur, une couronne appropriée pour ainsi dire à ces bateaux à vapeur les plus grands et les plus beaux du monde.

Amelia Earhart , la première femme à avoir traversé l’océan Atlantique en solitaire, est connue comme une pionnière dans le domaine de l’aviation. Lorsqu’elle a disparu au-dessus de l’océan Pacifique en 1937, lors d’une tentative de tour du monde, elle n’avait que 39 ans. En plus d’être aviatrice, Earhart était une éducatrice, une féministe et, comme vous pouvez le voir sur cette photo de 1928, une icône de la mode.

Depuis l’aube du vol, les pilotes ont toujours fait bonne figure dans leurs vestes de vol, gants, lunettes, casquettes, écharpes et bottes. C’était un look qui attendait la bonne femme, et Amelia Earhart le portait bien. Earhart a utilisé sa célébrité et son image pour essayer de donner plus d’options aux femmes américaines lorsqu’elle a lancé sa propre ligne de vêtements en 1932, appelée Amelia Earhart Fashions. Comme décrit par le National Air and Space Museum,

La ligne de mode d’Amelia était composée de robes, de jupes, de pantalons et de vêtements d’extérieur sans plis. Certaines conceptions utilisaient même des matériaux tels que la soie de parachute et le tissu utilisé pour les ailes d’avion. Les tenues ont été conçues pour être pratiques et conçues pour répondre aux besoins des «femmes actives». Ils ont brisé le moule de la robe traditionnelle des femmes dans les années 1930.

Cette photo montre un jeune Clint Eastwood avec Sammy Davis Jr. , traînant dans les coulisses après une performance de Davis au Sands Hotel de Las Vegas. Nous sommes en 1959, ce qui est intéressant – alors que Davis était un artiste très apprécié à l’époque, Eastwood ne faisait que commencer. L’acteur avait fait quelques petits rôles dans des films et apparaissait sur Rawhide en tant que Rowdy Yates depuis moins d’un an. Eastwood n’a jamais particulièrement aimé le personnage de Rowdy Yates, mais cela l’a établi comme un cow-boy convaincant et a contribué à son emploi dans A Fistful Of Dollars, qui a été créé en 1964.

Mais ce moment entre Davis et Eastwood est antérieur de cinq ans à la réinvention d’Eastwood. Et pourquoi se foutent-ils d’un revolver ? Bien qu’il soit naturel qu’Eastwood soit intéressé par une arme à feu, quel a été le tirage au sort pour Davis ?

En fait, Sammy Davis Jr. aurait été assez habile avec un morceau. Dans un article du New Yorker de 1992 , Bob Munden, qui détenait le record du monde du tirage le plus rapide, a classé les quatre tireurs d’armes les plus rapides d’Hollywood. Vérifiez-le : la 4e place est revenue à Glenn Ford ; 3e à Clint Eastwood; 2e à Sammy Davis, Jr. ; et d’abord t0 – attendez-le – Jerry Lewis.

Attendez — Jerry Lewis ?!? Je n’ai pas vu ça venir. Apparemment tu ne l’as jamais fait dans une confrontation avec Jerry.

Nous nous souvenons tous du regretté Bob Ross en tant qu’animateur de l’émission PBS The Joy of Painting diffusée de 1983 à 1994. Ross s’est fait aimer des téléspectateurs avec sa voix apaisante, ses perspectives perpétuellement heureuses et sa coiffure permanente parfaitement sphérique. Ross nous a appris à peindre des « petits nuages ​​heureux », et il était impossible de ne pas sourire à la vue de cet homme joyeux créant son art du paysage apaisant.

Ross a eu toute une vie avant d’arriver sur PBS – en fait, il a servi dans l’US Air Force pendant 20 ans. Il a développé son intérêt pour l’art pendant son temps dans l’armée, en suivant des cours d’art organisés par l’USO. C’était les années 60 et 70, cependant, et il n’aimait pas l’accent mis par ses instructeurs sur la peinture abstraite – Ross voulait peindre des paysages reconnaissables. Il a finalement appris à peindre des paysages dans le style italien alla prima (également connu sous le nom de «mouillé sur mouillé») et pouvait terminer une peinture de paysage en une heure. Il a quitté l’Air Force en 1981 au grade de sergent-chef, car il a découvert qu’il pouvait gagner plus d’argent en vendant son art qu’en salaire de l’Air Force. Deux ans plus tard, son émission de télévision a fait ses débuts.

Bien que de nombreuses personnes dans l’histoire aient survécu à des catastrophes maritimes, aucune n’a une histoire semblable à celle de Violet Jessop . L’hôtesse de l’air argentine servait à bord du RMS Olympic en 1911 lorsque l’énorme paquebot est entré en collision avec le croiseur britannique HMS Hawke. Le Hawke, qui avait une proue conçue pour percuter d’autres navires, a déchiré deux grands trous dans le côté de l’Olympic, qui a pu retourner à terre. Aucune vie n’a été perdue, mais cette mésaventure préfigurait les événements à venir pour Jessop. Violet Jessop était à bord du Titanic lorsqu’il a coulé dans l’Atlantique Nord. Elle a aidé les passagers à monter dans les canots de sauvetage et a également sauvé un bébé dont les parents étaient introuvables. Elle a fini par en faire elle-même un canot de sauvetage et a survécu.

En 1912, Jessop était à bord pour le voyage inaugural du navire jumeau de l’Olympic, le RMS Titanic – et nous savons tous comment ce voyage transatlantique s’est déroulé. Jessop était l’un des 706 survivants de la catastrophe du Titanic, s’échappant sur le canot de sauvetage 16 transportant un bébé qui lui avait été remis par l’un des officiers du navire. (Le bébé a ensuite été récupéré par une personne présumée être sa mère.) Jessop a repris sa carrière et en 1916, elle a mis les voiles sur le HMHS Britannic, le troisième des paquebots de classe olympique. À ce stade, la Première Guerre mondiale faisait rage et le Britannic avait été enrôlé comme navire-hôpital. Le 21 novembre, une explosion a secoué le Britannic et il a coulé dans la mer Égée. Jessop a survécu (tout comme la grande majorité des passagers à bord du Britannic) et a vécu jusqu’à l’âge de 83 ans, mourant en 1971 d’une insuffisance cardiaque congestive.

Le festival de Glastonbury de 1971 a été présenté comme une foire dans la tradition médiévale. Alors que la musique était un objectif principal, il y avait beaucoup plus d’action au niveau du sol, avec de la drogue à gogo, de la nudité communautaire à la Woodstock et des rites païens pour le plaisir. Glastonbury Tor (une montagne voisine) est mentionnée dans les légendes celtiques et arthuriennes, et le Saint Graal se trouverait dans l’un des monuments de la région, le Chalice Well, vous pouvez donc imaginer le genre de hijinks Renaissance-faire-sur-acide. L’Église catholique s’est même présentée pour offrir un contrepoint à toute cette folie.

Ces prêtres faisaient partie d’une délégation qui a monté la Tente de Jésus — une assez grande tente ornée d’une bannière qui disait littéralement TENTE DE JÉSUS. La tente de Jésus présentait de jeunes prêtres hirsutes et relativement beaux offrant la messe et la communion deux fois par jour. Les prêtres se sont-ils faufilés sur scène pour profiter des sets de David Bowie, Hawkwind, Traffic et Fairport Convention ? Nous serions déçus s’ils ne le faisaient pas.

Les geishas font partie des symboles les plus emblématiques de la culture japonaise traditionnelle , bien que leur rôle complexe dans la société soit souvent mal compris. Ce ne sont ni des dames de la nuit ni des courtisanes, mais des artistes douées pour la danse, la musique et le chant traditionnels japonais. Même si vous ne saisissez pas totalement le concept de geisha – car il n’y a pas d’équivalent dans les cultures américaines ou européennes – vous les reconnaissez à leur style vestimentaire, maquillé et coiffé.

Les coiffures élaborées et sculptées portées par les geishas nécessitent beaucoup de cheveux, comme le montre cette vue candide d’une geisha. En fait, il existe plusieurs coiffures de geisha distinctes qui peuvent indiquer le statut et le stade de carrière d’une geisha. Au moment où cette photo a été prise, les propres cheveux d’une geisha étaient coiffés pour obtenir la bonne coiffure. Après la Seconde Guerre mondiale, il y avait une pénurie de stylistes capables de coiffer correctement les geishas, ​​et aujourd’hui, les femmes ont tendance à porter des perruques pré-coiffées en cheveux humains.

Cette photo d’un jeune couple près de la rivière Waterhen, Saskatchewan, Canada , a été prise par Paul Coze et date de 1931. Coze était un artiste et photographe français fasciné par les peuples autochtones d’Amérique du Nord, et a capturé de nombreuses images les documentant dans les quatre voyages qu’il a faits à travers l’ouest du Canada. Il a également publié un livre influent avec René Thévenin, Mœurs et histoire des Peaux-Rouges (son titre se traduit par The Manners and History of Redskins, culturellement dépassé).

Coze était un personnage fascinant. En 1938, sept ans après avoir pris cette photo, il s’installe aux États-Unis et peint des peintures murales éducatives au parc national de Mesa Verde en Californie. Coze a été conseiller technique sur des films hollywoodiens, dont The Razor’s Edge (1946). Il s’installe à Phoenix, en Arizona, en 1951 et y crée de nombreuses œuvres d’art public. Cette photo est l’une des 50 de la collection « Fonds Paul Coze » détenue par le Royal Alberta Museum.

Voici un dîner décontracté qui a eu lieu le 7 décembre 1904 à l’hôtel Astor à New York . L’hôtel venait d’ouvrir en septembre de cette année-là et était le dernier ajout à l’empire hôtelier de la famille Astor, qui comprenait également le Waldorf-Astoria et le St. Regis.

L’hôtel Astor occupait 35 000 pieds carrés au large de Broadway entre les 44e et 45e rues. Le quartier est aujourd’hui bien connu sous le nom de Times Square, mais c’était un tout nouveau nom en 1904 – il s’appelait Longacre Square jusqu’à ce que le New York Times déménage ses bureaux dans un nouveau gratte-ciel sur la 42e rue. Le 8 avril 1904, le La jonction de Broadway et de la Septième Avenue entre les 42e et 47e rues a été renommée Times Square, et l’hôtel Astor, avec ses nombreuses salles de bal, ses restaurants à thème et son célèbre bar sur le toit, était un élément clé du centre de divertissement. L’hôtel Astor ferma et fut démoli en 1967.

Le 16 mai 1974, des pluies torrentielles ont frappé Cambridge, en Ontario et les environs, faisant déborder la rivière Grand et envoyant des eaux de crue dans les parties basses de la ville. L’inondation a causé environ 5 millions de dollars de dommages à la ville, qui a ensuite dépensé 24,7 millions de dollars pour installer des murs anti-inondations et des bâtiments à l’épreuve des inondations.

L’agent de police sur cette photo, l’agent John Shuttleworth, était l’un des nombreux déployés dans la région de Galt, qui a vu des inondations à hauteur de taille qui ont détruit des devantures de magasins. Ceux qui ont vécu le déluge se souviennent des biens et marchandises qui flottaient à travers les vitres brisées, et d’une réelle menace de pillage. Shuttleworth protège une pharmacie contre un éventuel pillage.

Le prince Harry est né en 1984, deuxième enfant de Charles et de la princesse Diana , qui étaient à l’époque prince et princesse de Galles. Au moment de sa naissance, Harry était troisième dans l’ordre de succession au trône britannique, derrière son père Charles et son frère aîné William. Bien que Harry soit un bébé privilégié, il ne pouvait pas comprendre sa situation lorsque cette photo a été prise en août 1986, un mois avant son deuxième anniversaire.

Comme nous l’avons vu tant de fois au cours de sa vie, Diana était une mère aimante et ses démonstrations d’affection n’étaient pas nécessairement conformes à la tradition britannique de la lèvre supérieure raide. La dernière fois que des enfants en lice pour le trône ont été photographiés dans les bras de leur mère royale, ils étaient la progéniture d’Elizabeth II : Charles lui-même (né en 1948) et ses frères et sœurs Anne (né en 1950), Andrew (né en 1960) et Edward (né en 1964) . La famille royale n’était pas aussi accessible à cette époque, et les photographies qui existent sont généralement mises en scène – rien d’aussi franc et intime que ce moment de 1986. Malheureusement, Diana mourra 11 ans plus tard, la laissant 15 ans et Fils de 12 ans sans mère.

La prochaine fois que vous voyez un hipster avec une moustache cirée et un vandyke pointu, souvenez-vous que cela pourrait être pire. On sait peu de choses sur ce look « Man in the Moon » de 1895, mais le porteur en a l’air fier. Cela montre que l’ironie était bel et bien vivante (en France, au moins) un siècle avant que les Gen-X ne la découvrent .

La photo a été prise par Nadar, qui était lui-même un homme intéressant, l’un des photographes les plus en vue de France au 19ème siècle. Né Gaspard-Félix Tournachon, Nadar était également journaliste, romancier et caricaturiste, et son amour de la montgolfière l’a amené à être le premier à prendre des photos aériennes. Vous vous sentez encore paresseux? Oh, et il a également accueilli la première exposition de peintres impressionnistes dans son atelier (Monet, Degas, Renoir, et d’autres), et a photographié Victor Hugo sur son lit de mort.

Maintenant, tenez-vous bien, ce sont des réalisations de Nadar, le photographe qui a pris cette photo . Nous n’avons aucune idée de ce que, le cas échéant, M. Man-in-the-Moon a accompli dans sa vie.

Vous savez ce qui ne se passait pas à New York en 1977 ? Musique country. Le punk rock se produisait, le disco se produisait et les premiers hip hop se produisaient – tous des trucs de pointe. La musique country était aussi éloignée que possible de l’avant-garde. Mais Dolly Parton s’en moquait bien , comme on pouvait s’y attendre. De grands cheveux, une grande voix, un grand sourire – grand, vous savez, tout – Dolly Parton n’a jamais donné l’impression qu’elle s’inquiète trop de ce que pensent les autres.

Et donc en mai 1977, Dolly a été réservé pour trois représentations à Bottom Line de New York. (Bien qu’elle fût un poisson hors de l’eau à New York, elle n’était pas totalement sans fans – comme Barbra Streisand et Bette Midler, elle était l’une des préférées des communautés gay urbaines.) À cette occasion, quelques noms en gras de la scène nocturne est venu à la salle de 400 places pour la voir. Après tout, elle était Dolly. Mick Jagger, Bruce Springsteen et John Belushi – qui avaient tous du respect pour la musique country – étaient tous dans la foule ce soir-là, et Dolly a fait sauter les portes de l’endroit.

Il est très facile de mettre en place un panneau qui prétend que votre dentisterie ne vous fera pas mal, mais cela ne le rend pas ainsi. Sur cette photo des années 1920 , un jeune patient à la tête bandée griffonne une réplique à l’allégation de « dentiste indolore : » MENTEUR. Qui a besoin de Yelp quand vous pouvez exprimer votre mécontentement à la craie ?

Cette image rappelle l’histoire d’Edgar RR « Painless » Parker, un célèbre dentiste de rue. Parker a fourni des services dentaires dans la rue (ou peut-être sur un trottoir), généralement à des patients qui ne pouvaient pas se permettre des soins dentaires, et l’a fait avec le flair d’un showman, arrachant à une occasion 357 dents en une seule journée (ce qu’il avait transformé en collier). Lorsque Parker a été accusé d’avoir enfreint la loi contre les fausses publicités, en raison de son utilisation du mot « indolore », il a légalement changé son nom en Painless Parker.

Les mannequins de Ventriloque sont effrayants – demandez à Don Knotts . (Ok, vous ne pouvez pas lui demander, car il est décédé en 2006.) Adolescent en Virginie-Occidentale, Knotts rêvait d’une carrière dans le show business et développa un numéro de ventriloque avec un acolyte en bois qu’il nomma Danny « Hooch » Matador. . Knotts est allé à New York après le lycée pour tenter sa chance en tant que comédien, avec peu de succès, puis est rentré chez lui pour fréquenter l’Université de Virginie-Occidentale à Morgantown.

Après sa première année, Knotts rejoignit l’armée américaine en 1943 et partit servir dans le Pacifique. Cette photo a été prise pendant ou juste avant sa première année dans l’armée. Knotts a servi de 1943 à 1946, remportant de nombreux honneurs, et a fait une tournée dans le Pacifique dans le cadre d’un spectacle humoristique intitulé « Stars & Gripes ». Il a utilisé le mannequin de son ventriloque, Danny, dans la série – pendant un certain temps. À ce moment-là, il avait appris à mépriser Danny. Knotts voulait participer à des sketches comiques, mais les réalisateurs de la série ont estimé qu’il devait s’en tenir à l’acte de ventriloque. Un jour, alors qu’il était sur un bateau, Knotts a décidé qu’il en avait assez de jouer à l’homme hétéro avec un morceau de bois et a jeté Danny par-dessus bord. Il a dit à ses patrons de Stars & Gripes qu’il avait perdu le mannequin.

Knotts a également avoué à un ami qu’il avait juré qu’il pouvait entendre Danny qui se noyait l’appeler depuis l’eau alors que le navire naviguait.

Cette photo de femmes arméniennes de 1895 nous montre comment une photo peut illustrer une vérité historique tout en étant techniquement inauthentique. Il est vrai que les femmes arméniennes se sont battues lors des massacres hamidiens qui ont eu lieu dans l’Empire ottoman au milieu des années 1890. Les massacres étaient le résultat de la tentative du sultan turc Abdul Hamid II de maintenir l’empire en ruine en embrassant le panislamisme. En tant que non-musulmans, les Arméniens ont été ciblés et entre 100 000 et 300 000 ont été tués.

La question de savoir si ces deux femmes arméniennes se préparaient à aller combattre les Ottomans fait débat. Des experts en armes à feu ont déterminé que les fusils et le pistolet sont des accessoires, et la photo aurait le mot « souvenir » imprimé au dos. En d’autres termes, cette photo mise en scène nous parle de l’esprit de l’époque et peut avoir été une image destinée à inspirer la résistance arménienne, mais cela ne signifie pas que ces femmes en particulier étaient en fait des combattantes.

Ces dernières années, le célèbre claviériste Derek Sherinian (qui a travaillé avec Alice Cooper, Kiss, Billy Idol, Slash et Joe Bonamassa) a identifié la femme de droite comme étant Elizabeth Yazidjian, son arrière-grand-mère.

La réponse est « Elle a été le premier mannequin au monde ». Qui est Lisa Fonssagrives ?

Lisa Fonssagrives est la femme qui pose sur la Tour Eiffel pour le magazine Vogue en 1939. La photo a été prise par Erwin Blumenfeld, et Fonssagrives n’aurait été sécurisée d’aucune façon. Mais si c’est une nouvelle pour vous que Lisa Fonssagrives a été le premier mannequin, ça va.

Fonssagrives est née Lisa Bernstone en Suède en 1911 et s’est lancée dans une carrière prometteuse en danse avant de passer au mannequinat. Elle est appelée le premier top model parce qu’elle était le modèle dominant dans l’industrie. Comme Time l’a décrite dans un article de 1949 intitulé « Billion Dollar Baby », elle était « le mannequin de haute couture le mieux payé et le plus loué du secteur, considérée par beaucoup de ses collègues comme le plus grand mannequin de tous les temps ».

Bien que largement oubliés aujourd’hui, la religion et le fanatisme religieux ont joué un rôle majeur dans la course présidentielle de 1960 et la primaire démocrate. John F. Kennedy était un candidat charismatique et sérieux au poste de chef de l’exécutif, mais il devait franchir un obstacle majeur pour y parvenir : aucun catholique romain n’avait jamais été élu président au cours des 180 ans d’histoire de la nation.

À la fin de 1959, Kennedy sondait mieux que son principal rival démocrate, Hubert H. Humphrey, en Virginie-Occidentale. Mais en avril 1960, il perdait 20 points. Le tournant dramatique a été expliqué au candidat par ses conseillers : « Personne en Virginie-Occidentale ne savait que vous étiez catholique en décembre. Maintenant, ils le savent. »

Le sentiment anti-catholique a menacé de refuser à Kennedy la Virginie-Occidentale, et même la nomination globale, alors Kennedy a tout mis en œuvre dans l’État de la montagne. Partout où il allait, il écoutait les préoccupations de ses protestants pauvres de la classe ouvrière et prenait un soin particulier à esquisser des plans sur la façon dont une présidence Kennedy leur serait bénéfique. Kennedy avait également beaucoup plus d’argent à dépenser et une meilleure organisation dans l’État que Humphrey. Le jeune catholique de Boston a réussi à renverser la vapeur en Virginie-Occidentale – sa défaite de Humphrey, de 20 points, a fait abandonner Humphrey de la course. La victoire a assuré la nomination de Kennedy et a prouvé qu’il pouvait gagner avec les protestants.

Steve McQueen était connu pour vivre sa vie à la limite , mais parfois il la poussait trop loin – le 22 juin 1972 était l’un de ces moments. À cette date, McQueen a été arrêté à Anchorage, en Alaska, pour conduite en état d’ébriété et excès de vitesse. Il avait 42 ans.

Nous ne savons pas pourquoi McQueen était en Alaska à l’époque, mais un témoignage oculaire a fait surface sur Internet qui explique que l’acteur a été arrêté en train de faire des beignets (ou « tourner des brodies ») dans une Oldsmobile Toronado. Le témoin a dit :

Mon souvenir est que McQueen montait et descendait la 4e Avenue à très grande vitesse et tournait les brodos – plus ivre que l’enfer. Ce n’était pas juste une fois ou deux – il a vraiment soulevé l’enfer pendant un bon bout de temps. Quand ils l’ont finalement fait arrêter, ils lui ont administré un test de sobriété sur le terrain, et il a fait un saut périlleux le long de la ligne blanche. Une fois qu’ils l’ont fait arrêter, c’était un bon moment – une sorte de fête d’autographes avec des menottes.

Alors que McQueen a souvent été présenté comme l’un des chats les plus cool de tous les temps à Hollywood, ses bouffonneries et son sourire espiègle dans le mugshot ne sont pas cool. De nos jours, nous considérons la conduite en état d’ébriété comme un problème sérieux, et avec raison. Il y a cinquante ans, de nombreux délinquants s’en moquaient. McQueen ne serait peut-être pas considéré comme un gars aussi cool s’il renversait quelqu’un dans son état d’ébriété ce jour-là en 1972.

Sur cette photo de 1912 de Charles Chester Pierce, on voit une jeune fille célibataire du peuple Hopi aux côtés d’une femme plus âgée. La fille porte ses cheveux dans la célèbre coiffure connue sous le nom de « fleur de courge ». Cette spire élaborée indique que la fille est en âge de se marier et est un symbole de fertilité. Bien qu’elle ressemble à un chignon, la fleur de courge est en fait un arrangement soigné de boucles. La mère de la fille enroulait ses cheveux autour de morceaux de bois courbés, puis retirait le bois.

La fleur de courge Hopi a-t-elle inspiré la coiffure portée par Carrie Fisher en tant que princesse Leia dans Star Wars ? C’est une supposition raisonnable, bien que George Lucas ait revendiqué une origine différente. Il a déclaré à Time en 2002 qu’en concevant le look de Leia

Je suis allé avec une sorte de look révolutionnaire de femme du sud-ouest de Pancho Villa, c’est ce que c’est. Les petits pains proviennent essentiellement du Mexique du début du siècle.

Alors que les femmes Hopi sont célèbres pour la fleur de courge, les femmes révolutionnaires mexicaines – connues sous le nom de soldaderas ou Adelitas – ne le sont pas. Les fans de Star Wars et les spécialistes de la mode qui s’attendaient à trouver des photos de guerrières mexicaines portant des petits pains latéraux sont apparus vides, mais une image a ensuite fait surface qui semble donner un peu de crédibilité au récit de Lucas. C’est une photo de la soldadera Clara de la Rocha, une dirigeante de la révolution mexicaine, qui portait effectivement ses cheveux en chignons latéraux à la Leia ou à la Hopi.

Ce grand homme, portant des bigoudis dans les cheveux et des vêtements intéressants, ressemble-t-il à un comédien de renommée mondiale ? Eh bien, il ne l’était pas — pas encore. Lorsque cette photo de John Candy et de sa fille Jennifer Anne a été prise, en 1983, Candy était au début de la trentaine et sa carrière avait pris un tournant. Il était un acteur de personnage dans la phase « ce type » – il était ce type dans Stripes (Dewey Oxburger) et Vacation (agent de sécurité Russ Lasky). Il avait également fait quelques saisons sur SCTV.

L’année suivante, Candy a joué un rôle de soutien qui vole la scène en tant que frère déviant de Tom Hanks dans Splash . Le film a été un énorme succès et Candy est devenue plus qu’un visage familier – il était clairement une star. Des rôles principaux ou co-vedettes ont suivi dans des films tels que Summer Rental (1985), Volunteers (1985), Armed & Dangerous (1986), Spaceballs (1987) et peut-être son plus grand film, Planes, Trains and Automobiles (1987).

Bien que la reconnaissance et la renommée aient sans aucun doute été très appréciées par Candy, il semble qu’il était plutôt heureux en 83 – lorsque le public l’a reconnu comme « ce type » d’un film et que ses voisins le connaissaient comme « ce type » qui n’a pas peur. porter deux plaids qui se heurtent violemment.

La fille qui a rendu célèbre la coupe pixie n’a pas l’air mal avec ses cheveux jusqu’à la taille, n’est-ce pas ? Bien sûr, Audrey Hepburn était l’un des idéaux de la beauté féminine dans les années 50 et 60, il lui était donc impossible d’avoir l’air mauvaise ou même à moitié mauvaise. Alors qu’elle arborait un lutin dans ses premiers succès Roman Holiday (1953) et Sabrina (1954), elle a commencé à faire pousser ses cheveux après ces films, portant ses mèches plus longues dans une série de bobs, up-dos, petits pains et demi-ruches.

Au moment du petit-déjeuner chez Tiffany(1961), Hepburn arborait une ruche pleine, mais elle n’avait pas encore fini. Dans My Fair Lady (1964), la fille qui nous a apporté le lutin avait des cheveux très longs, empilés en gradins dramatiques comme un gâteau de mariage. Bien qu’il soit tentant de supposer que sa coiffure My Fair Lady était un postiche, elle semblait avoir tout autant de cheveux, empilés presque aussi haut, lors de la première du film. Et puis, en 1966, elle a fait ce que nous devons tous faire de temps en temps : elle a lâché ses cheveux. Le photographe William Klein a pris ces photos pour un article de Vogue montrant des robes Givenchy. Mais il est sûr de dire que la crinière extrêmement longue de Hepburn vole la vedette.

C’est une jolie fille sur une plage, mais la choisiriez-vous pour devenir Marilyn Monroe ? C’est ce qui est arrivé à Norma Jeane Dougherty, qui est née Norma Jeane Mortenson (mais passait souvent par Norma Jeane Baker) et a changé de nom de famille lorsqu’elle a épousé James Dougherty. Elle avait 16 ans quand ils se sont mariés. Sur cette photo, elle se tient sur la plage d’Avalon, sur l’île de Santa Catalina, en Californie. Son mari était en poste au camp d’entraînement de l’île.

Alors que son mari était parti combattre dans le Pacific Teater de la Seconde Guerre mondiale, Norma Jeane a commencé à faire du mannequinat – contre son gré. Elle a signé avec une agence qui a déterminé que sa silhouette était meilleure pour le mannequinat pin-up et cheesecake que pour la mode, et elle apparaissait bientôt dans des magazines destinés à un public masculin. Elle a lissé ses cheveux et les a teints en blond pour se rendre plus commercialisable, et elle s’est rapidement révélée être l’un des modèles les plus demandés de l’agence. Quelques tests d’écran et un changement de nom plus tard, et elle était destinée au grand écran.

Wow – pensez-vous qu’ils sont liés? Ce sont les sœurs Clark, la grand-mère et les tantes de la photographe Frances Benjamin Johnston. Johnston n’a pas pris cette photo, cependant, car elle est datée entre 1840 et 1860 , et elle n’est née qu’en 1864. L’image originale n’est pas une photographie telle que nous la connaissons, mais un daguerréotype, qui était un processus de création une image photographique sur cuivre argenté.

Si ces dames sans humour semblent appartenir à un film d’horreur – peut-être sont-elles un groupe de sorcières emprisonnées sur la photo, et une nuit, elles s’échappent – ​​ce n’est pas nécessairement de leur faute. Le processus de daguerréotype pouvait nécessiter de longs temps d’exposition, et au début des années 1840, cela excluait fondamentalement le portrait humain, car les gens ne pouvaient pas rester immobiles pendant plusieurs minutes. Au fur et à mesure que le processus et les lentilles s’amélioraient, la durée d’exposition a été réduite, bien qu’elle soit encore assez angoissante selon les normes d’aujourd’hui. Les sœurs Clark ici peuvent sembler misérables, et elles le sont probablement, devant choisir et maintenir ces poses et expressions pendant une bonne partie de la minute.

À quel point le photographe américain James Ricalton est-il petit ? Eh bien, pas aussi petit qu’il n’y paraît sur cette photo de 1903 – ici, il pose avec les frères jumeaux connus sous le nom de Deux Géants du Cachemire. Ces hommes massifs, mesurant 7’6″ et 7’9″, étaient des fusiliers d’élite au service du Maharaja du Jammu-et-Cachemire.

Pour Pratap Singh, le Maharaja (ou souverain) du Cachemire et du Jammu, les géants étaient des voleurs de spectacles au Durbar de 1903, un événement organisé pour célébrer l’ascension d’Edouard VII en tant que roi de l’Empire britannique et empereur des Indes. Les deux premières semaines de 1903 ont vu des célébrations fantastiques dans un lieu à l’extérieur de Delhi, et un élément clé a été le défilé des Maharajas des différentes régions. Ils sont arrivés dégoulinants de bijoux et montés sur des éléphants, entourés par des escortes de leurs soldats d’élite en uniformes formels. De tous les spectacles, rien ne pouvait rivaliser avec la vue de ces deux géants, dont la présence retenait l’attention des journalistes et des photographes.

Ces deux jeunes femmes sont originaires de Marken Island , un endroit qui n’existe plus en tant que tel. Au moment où cette photo a été prise, dans les années 1890, Marken était encore une île, avec une culture distincte de la culture néerlandaise continentale. Avec leurs grands seaux, leurs tabliers et leurs sabots en bois, elles sont peut-être des laitières. L’île de Marken était située dans le Zuiderzee, ou « mer du Sud », une baie peu profonde au large de la mer du Nord.

La construction d’une digue, achevée en 1932, à l’embouchure de la baie a transformé le Zuiderzee d’une baie d’eau salée en un lac d’eau douce appelé l’IJsselmeer. Une deuxième digue a été construite qui enfermait l’eau entourant Marken en tant que nouveau plan d’eau appelé Markermeer. Il y avait un autre plan pour sceller entièrement le Markermeer et récupérer la zone en tant que terre, qui s’appellerait Markerwaard. Cette phase du plan n’a jamais été achevée en raison du début de la Seconde Guerre mondiale.

C’est la vie aux Pays-Bas, où environ un quart du pays se trouve en dessous du niveau de la mer et la moitié à moins d’un mètre au-dessus du niveau de la mer. Des zones autrefois sous-marines ont été converties en terre par l’installation de barrages et de digues. Mais ce n’est pas ce qui est arrivé à Marken. Parce que le Markermeer n’a jamais été converti en Markerwaard, l’île est restée une île jusqu’à ce que le gouvernement néerlandais construise une chaussée qui la reliait au continent. La terre qui s’appelait autrefois l’île de Marken est maintenant, techniquement parlant, une péninsule.

Voici un gréeur de grande hauteur travaillant sur l’un des plus grands ponts du monde, le Harbour Bridge à Sydney, en 1971. Bien qu’il n’était qu’un ouvrier avec un pot de peinture lorsque cette photo a été prise, il était destiné à de plus grandes choses. Le gréeur s’appelle Paul Hogan et dans 15 ans il sera connu sous le nom de « Crocodile » Dundee. Lorsque Paul Hogan a capturé l’imagination des cinéphiles dans Crocodile Dundee et sa suite, une partie du charme était son charme australien. Il était convaincant comme le gars qui sort un couteau géant dans un bar (de manière joviale) parce qu’il ressemblait juste au genre de gars qui ne quitterait pas la maison sans une lame.

En fait, ce sont ses journées à travailler comme gréeur sur le pont qui l’ont propulsé dans le showbiz. Lui et ses collègues ont commencé à parler d’une émission télévisée intitulée New Faces et ont décidé qu’ils n’aimaient pas que les juges rabaissent les interprètes. Hogan a élaboré un plan pour défendre l’homme du commun. Il est allé sur New Faces prétendant être un « lanceur de couteaux de claquettes » et une fois à l’antenne, il a donné aux juges un avant-goût de leur propre médecine. Il n’a pas fait de claquettes ni lancé de couteaux, il a juste fait des blagues à leurs dépens. Le public a fortement réagi et Hogan a été invité à plusieurs reprises, passant ainsi de travailleur manuel à artiste.

Clint Eastwood doit remercier l’Italie pour sa carrière cinématographique – après tout, ce sont les westerns spaghetti qu’il a réalisés au milieu des années 60 qui l’ont transformé d’une star de la télévision en un homme de premier plan sur grand écran. Le premier western spaghetti d’Eastwood était A Fistful Of Dollars, filmé en 1964 et sorti plus tard la même année en Italie. Il ne sortira pas aux États-Unis avant 1967.

A Fistful Of Dollars a été réalisé par Sergio Leone, avec une musique d’Ennio Morricone. Les producteurs du film étaient italiens, tout comme son directeur de la photographie et monteur. C’était une production italienne de bout en bout – d’où le nom de « western spaghetti » – avec une star américaine. Mais ce n’est pas la campagne italienne que vous voyez dans les longs plans ; c’est en fait l’Espagne. Une partie du film a été tournée à Rome, dans les immenses studios de Cinecittà. Cette photo de Clint Eastwood patinant sur la Via Veneto à Rome aurait été prise alors qu’il était en ville pour tourner A Fistful Of Dollars .

Cette photo de 1879 ou 1880 a été prise à De Smet, Dakota du Sud, et nous montre trois des quatre filles Ingalls : Carrie, Mary et Laura. (Il y avait une quatrième et plus jeune sœur, Grace Pearl ; un frère nommé Charles Frederick est décédé alors qu’il était encore bébé.) Laura Ingalls, en tant que Laura Ingalls Wilder, est devenue célèbre et immortalisée en tant qu’auteur de Little House On The Prairie qui a été transformé plusieurs années plus tard en une série télévisée mettant en vedette Michael Landon et Sara Gilbert.

La petite maison dans la prairie est en fait le troisième livre de la série de romans, tous basés sur la vie et la famille d’Ingalls Wilder. Le premier livre, Little House In The Big Woods (1932), est basé sur sa vie en grandissant près de Pepin, Wisconsin. La famille Ingalls a beaucoup déménagé, ce qui a fourni amplement de matière à ses livres: Little House On The Prairie (1935) documente l’époque où ils vivaient près d’Independence, Kansas; By The Shores Of Silver Lake (1939), The Long Winter (1940) et Little Town On The Prairie (1941) se déroulent tous à ou près de De Smet, dans le territoire du Dakota.

Ava Gardner était une star hollywoodienne glamour connue pour des films tels que The Killers (1946), Show Boat (1951), Mogambo (1953) et Night Of The Iguana (1964). Elle était également une favorite des médias grâce à ses relations avec des hommes célèbres, notamment ses maris Mickey Rooney, Artie Shaw et Frank Sinatra. Elle a parcouru un long chemin depuis ses racines dans la Caroline du Nord rurale.

Gardner était le plus jeune de sept enfants nés de pauvres métayers de tabac à Grabtown, en Caroline du Nord. Quand elle avait neuf ans, sa famille a déménagé à Newport News, en Virginie, où sa mère a trouvé du travail dans la gestion d’une pension pour les ouvriers de la marine marchande. Son père est mort d’une bronchite quand elle avait 15 ans, comme elle est sur cette photo. La famille est retournée en Caroline du Nord, où Ava a terminé ses études secondaires et a fréquenté une école de secrétariat pendant un an.

Puis, à l’été 1940, elle rendit visite à sa sœur aînée Beatrice à New York et le mari de Beatrice, un photographe, prit son portrait. C’est alors que les choses ont commencé à se produire. Un an plus tard, elle était à Hollywood, et l’année d’après, elle avait son premier rôle au cinéma.

La grandeur de l’architecture des siècles passés est impressionnante, mais la vue de ces bâtiments exquis laissés à l’abandon nous rappelle que les ravages du temps viennent pour nous tous. Rien ne dure éternellement et le chef-d’œuvre d’aujourd’hui peut être la relique ou la ruine de demain . Il y a plus de 100 ans, lorsque l’homme qui a construit cette glorieuse maison l’a contemplée, il ne pensait pas qu’elle deviendrait un repère abandonné.

La Villa Zanelli a été construite en 1907 pour être la maison du capitaine Nicolò Zanelli et de sa famille à Savone, en Italie. La villa donne sur la plage et la mer Tyrrhénienne au-delà ; dans cette vue, le front de mer est dans notre dos. Cilla Zanelli est un exemple du style d’architecture Liberty, qui est une variante italienne de l’Art nouveau. Le style Liberty tire son nom du grand magasin Liberty de Londres, qui importait des textiles et des objets d’art du Japon et d’Extrême-Orient devenus populaires auprès de certains architectes et designers italiens.

Pendant près de 40 ans, de 1936 à 1975, l’Espagne a été dirigée par le dictateur Francisco Franco. L’Espagne était un pays pauvre et réprimé, bien qu’elle n’ait notamment pas rejoint l’Allemagne et l’Italie en tant que puissance de l’Axe pendant la Seconde Guerre mondiale . Bien qu’officiellement neutre, l’Espagne a soutenu l’Axe à certains égards, ce qui a amené de nombreuses nations européennes à éviter l’Espagne pendant une décennie après la fin de la guerre.

Mais une chose étrange s’est produite dans les années 1950 : Franco s’est un peu éclairci et l’Espagne est passée d’un État totalitaire à un État autoritaire qui tolérait dans une certaine mesure les partis politiques minoritaires. Bien qu’elle soit loin de la démocratie, cette diminution progressive de l’oppression a conduit à une croissance économique massive qui a été qualifiée de « miracle espagnol ». Des photos comme celle-ci, prises sur un marché de Barcelone en 1955, documentent un peuple qui est sous la coupe d’un dictateur mais qui regarde vers un avenir démocratique et capitaliste. Il y avait un sentiment d’optimisme en Espagne à l’époque, et cela s’est avéré justifié – la croissance de la dernière partie du régime de Franco aurait pour résultat que l’Espagne deviendrait la neuvième économie mondiale.

Le photographe d’origine allemande Arnold Genthe a pris de nombreuses photos de célébrités et de showgirls pendant ses années à New York, une période allant de 1911 jusqu’à sa mort en 1942. Les sujets les plus célèbres de Genthe comprenaient les présidents américains Teddy Roosevelt et Woodrow Wilson ; les écrivains Jack London, Pearl S. Buck, Edna St. Vincent Millay et Sinclair Lewis ; John D. Rockefeller; les comédiens Mary Pickford, Greta Garbo et John Barrymore; et l’occultiste Aleister Crowley. Mais de loin son sujet le plus fréquent était son chat.

Présageant la fascination d’Internet pour les images de chats , Genthe a constamment pris Buzzer le chat, l’utilisant comme accessoire, ou peut-être simplement en se livrant à ses propres rêves de célébrité (le chat). Il semble que Buzzer appréciait la compagnie de nombreux danseurs photographiés par Genthe, et lorsque ces jeunes femmes s’asseyaient pour Genthe, Buzzer était susceptible de monter sur leurs genoux pour que son portrait soit également pris. Dans ce portrait de Mlle Jocelyn Stebbins (Mme Fletcher), qui est la gardienne et qui est l’accessoire ?

Cette photo, prise il y a plus de 110 ans, révèle que certaines choses sur la vie universitaire ne changent jamais . Pour de nombreux jeunes, un dortoir universitaire est le premier espace de vie sur lequel ils ont un contrôle total. À ce jour, la décoration des dortoirs est souvent un mélange d’affiches, de photographies et de bibelots qui reflètent leurs intérêts et leurs aventures universitaires.

Ces jeunes hommes intelligents semblent avoir utilisé un filet de volley-ball ou de tennis pour tenir leurs photos, ainsi que des rubans et des cuillères. Et bien que la femme sur l’affiche ne soit pas exactement Farrah Fawcett en maillot de bain rouge, elle est attirante et enchanteresse dans son costume de cape et d’épée. Les choses dont rêvent les jeunes hommes.

En 2015, Abigail Kingston est devenue la 11e mariée de sa famille à porter une robe de mariée qui a été enfilée pour la première fois par son arrière-arrière-grand-mère Mary Lowry le jour de son mariage en 1895. La mère d’Abigail Kingston, Leslie, a été la sixième à la porter, en 1977, mais n’était pas en possession de la robe lorsque sa fille s’est fiancée. Abigail et Leslie devaient l’obtenir de la grand-tante d’Abigail (porteuse n°4, en 1960), dont les filles l’avaient portée lors de leurs mariages en 1989 et 1991.

La robe avait subi de nombreuses modifications et ajustements au fil des ans, car il n’y avait pas deux mariées exactement de la même taille ou de la même forme. Le train a également été reconfiguré pour chacun. La robe n’avait été nettoyée à sec qu’une seule fois, et quand Abigail l’a reçue, elle avait besoin d’un nettoyage et d’une restauration approfondis. La robe était en fait trop courte pour Abigail, qui mesure 5’10 », mais elle a profité de l’ourlet surélevé pour montrer une paire de chaussures scintillantes. Toute la saga ressemblait un peu à un conte de fées, comme l’a dit Abigail :

Je me suis sentie comme Cendrillon la première fois que j’ai tout mis. J’ai vraiment eu l’impression d’avoir la robe en lambeaux et de l’avoir transformée en richesse.

Nicholas G. Veeder est né le jour de Noël en 1761, à Scotia, New York, et a combattu pendant la guerre d’indépendance américaine à l’adolescence, rejoignant la deuxième milice du comté d’Albany à l’âge de 15 ans en 1777. Au moment où cette photo a été prise, vers 1860 (ou un peu plus tard), Veeder était connu comme « le vieux soldat » dans la ville. Il était l’un des rares individus à avoir combattu pendant la guerre d’indépendance et à avoir vécu assez longtemps pour que sa ressemblance soit capturée par la nouvelle technologie de la photographie.

Sur cette photo, nous voyons Veeder dans son uniforme de la guerre d’indépendance, assis devant une attraction locale connue sous le nom de Old Fort ou « Veeder’s Fort ». Le bâtiment en pierre abritait une collection d’artefacts de la guerre – y compris les mousquets et le « Schenectady Liberty Flag » exposés ici – et était géré comme une sorte de musée par Veeder lui-même. Surnommé affectueusement « le vieux soldat », Veeder était un personnage qui dirigeait le défilé annuel du 4 juillet de Scotia dans son uniforme et aurait dansé sur son vieux jig préféré, « Soldier’s Joy », à l’occasion de son 100e anniversaire en 1861. Il mort en 1862.

Sur cette rare photo de 1865, on voit Tad Lincoln avec son père, le président Abraham Lincoln . C’est un moment inhabituel entre père et fils, la présence de Tad suscitant un presque sourire du commandant en chef. C’est l’une des nombreuses photos prises lors de la dernière séance officielle du président Lincoln, et dans les 10 semaines, il serait mort, assassiné par John Wilkes Booth.

Tad Lincoln était une poignée, un jeune exubérant qui s’est déchaîné à la Maison Blanche et était connu pour interrompre les réunions de son père. Son père a repéré cette qualité agitée à la naissance, lui donnant le surnom de « Tad » parce que le bébé était « aussi agité qu’un têtard ». Bien que Tad ait survécu à son père, sa vie n’a pas été longue, car il est décédé subitement en 1871 à l’âge de 18 ans.

Johnny Carson n’était pas le premier animateur de talk-show de fin de soirée , mais il était le meilleur – au cours de ses 30 années au bureau, il a fait de The Tonight Show l’étalon-or de la télévision de fin de soirée. Tout hôte de fin de soirée, qu’il aspire à être comme Johnny ou à briser le moule, doit faire face à l’héritage qu’il a laissé. Bien qu’il soit une présence familière à la télévision, à l’aise pour discuter avec les plus grandes stars, nuit après nuit, Carson n’a pas grandi célèbre. Il n’a pas grandi loin de la célébrité. Il a grandi à Norfolk, Nebraska.

Carson est né à Corning, Iowa, et a déménagé avec sa famille à Norfolk à l’âge de huit ans. Il a vécu à Norfolk jusqu’à la fin de son adolescence, diplômé du Norfolk Senior High School avant de rejoindre la marine américaine pour servir pendant la Seconde Guerre mondiale. Comme de nombreux artistes, la drogue d’entrée du jeune Johnny Carson dans le divertissement était un kit magique. Il a commencé à apprendre des tours à l’âge de 12 ans et à 14 ans, il se produisait localement sous le nom de « The Great Carsoni ». Il facturait 3 $ par spectacle.

Dans cette touchante photographie du Vietnam , 1966, Pfc. Clark Richie sent une lettre parfumée que lui envoie sa petite amie à Jay, Oklahoma. Dans la jungle du Vietnam, entouré non seulement de combattants ennemis mais aussi d’animaux étranges et de dangers naturels, un soldat américain – même un garçon de la campagne de Jay – pouvait se sentir sur une autre planète. Les lettres de la maison étaient des souvenirs précieux.

La photo a été prise par John Nance, un journaliste de l’Associated Press qui a également écrit un article (publié en avril 1966) sur les expériences de guerre de Richie. Nance a partagé le contenu d’une lettre que Richie écrivait à sa mère à la veille d’une offensive :

Chère maman, j’ai reçu ta lettre hier. Content que vous et tous les autres alliez  bien. Moi aussi, à part la  chaleur et mes cloques. Au moment où vous lirez ceci, nous  aurons terminé notre première  opération majeure. S’il y a quelque chose à craindre, vous le saurez avant de recevoir cette lettre.

Plus tard dans la journée, Richie est allé à Cu Chi pour enseigner l’anglais à des enfants vietnamiens. Sur le chemin du retour à la base, il réfléchit à l’ironie mortelle de sa situation :

Bizarre, penser  que demain ou la semaine prochaine – ou même maintenant – nous pourrions rencontrer les grands frères  et les pères de certains de ces  enfants là-bas, et nous essaierions de  nous entre-tuer. C’est une affaire étrange .

Avant que la pandémie de COVID-19 ne frappe en 2020, la plupart des gens n’avaient pas d’expérience directe des mesures de quarantaine à grande échelle . Aux États-Unis, la dernière épidémie de maladie d’une telle ampleur avait été la pandémie de grippe H1N1 de 1918 (ou « grippe espagnole »). Cette photo a été prise en 1905 lors d’une épidémie de diphtérie en Norvège. Il montre des femmes, probablement les mères des enfants affligés à l’intérieur, perchées sur des échelles regardant à travers les fenêtres d’un immeuble.

Le bâtiment est aujourd’hui connu sous le nom d’hôpital d’Ullevål, mais en 1905, il avait un objectif légèrement différent : c’était ce qu’on appelle un lazaret . Un lazaret ou un lazaret était traditionnellement une installation – comme un navire ancré, une île ou un bâtiment isolé sur le continent – ​​utilisée pour mettre en quarantaine les personnes arrivant par mer qui pourraient être porteuses de maladies. Lorsqu’une maladie comme la diphtérie a éclaté dans une zone urbaine, le concept de lazaret a été appliqué à des bâtiments de confinement comme celui-ci. Il agissait un peu comme un hôpital, en ce sens qu’il contenait de nombreuses personnes malades, mais leur rétablissement n’était malheureusement qu’un objectif secondaire – le plus important était de les empêcher de propager la maladie au reste de la communauté.

Le Man At The Wheel Saloon était situé à San Pedro, une zone portuaire de Los Angeles, en Californie. L’imagerie d’un marin dirigeant son navire était certainement appropriée à l’environnement et à la clientèle, mais elle servait probablement aussi un autre objectif : aider les clients analphabètes ou en état d’ébriété à trouver l’endroit.

The Man At The Wheel semble être fermement ancré dans une tradition qui remonte à plusieurs siècles, celle de nommer votre pub avec une sorte de symbole qui peut être facilement décrit ou reconnu. Ainsi, un bar appelé The Red Hen aurait un grand panneau montrant une poule rouge – les clients pourraient alors accepter de se rencontrer au Red Hen même s’ils ne pouvaient pas lire les mots RED HEN. Les marins descendant d’un bateau dans le port de San Pedro n’avaient pas besoin de savoir lire ou parler anglais pour trouver leur chemin vers l’homme au volant – cherchez simplement l’homme au volant, vous ne pouvez pas le manquer .

Le tennis professionnel masculin n’a jamais connu de rivalité plus délicieuse que celle entre le Suédois Bjorn Borg et la star américaine John McEnroe . Les styles contrastés des deux joueurs leur ont valu les surnoms de « Fire and Ice » – McEnroe était une tête brûlée notoire sur le terrain, tandis que Borg était un joueur cool, imperturbable et méthodique. Les deux se sont affrontés 14 fois sur le terrain et la série s’est terminée à égalité 7-7.

McEnroe a écrit dans un mémoire :

Il y avait quelque chose dans nos matchs qui a suscité l’émotion des gens et créé une atmosphère particulière. Chacun savait de quel côté il était : c’était ce qui attirait les foules. Vous étiez soit un fan de Borg, soit un fan de McEnroe. Un supporter de l’Ice Man ou du Superbrat, comme ces tabloïds londoniens aimaient m’appeler.

Bien que les deux hommes ne se ressemblent pas sur le terrain, ils savourent leurs matchs et développent une amitié. Borg a déclaré en 2018 :

John me respectait et j’étais probablement le seul gars qui le respectait parmi tous les gens de l’histoire du tennis.

La Villa Wyckoff sur l’île Carleton , dans le nord de l’État de New York, a été construite par l’architecte William Miller en 1894 pour William O. Wyckoff, qui a fait fortune en aidant la Remington Arms Company à développer une machine à écrire. Son propriétaire homonyme n’a guère pu en profiter, car Wyckoff est décédé le lendemain de son emménagement. Au fil des ans, les portes et les fenêtres ont été enlevées, laissant l’intérieur de la maison exposé aux intempéries. Mais vous pouvez l’acheter !

En 2018, cette fameuse demi-ruine a été mise sur le marché pour 495 000 $. Voici la description de la liste sur Realtor.com :

Cette villa de l’île Carleton s’étend sur 6,9 acres et dispose de trois fronts de mer à 198 pieds devant la villa, North Bay 287 pieds et South Bay 330 pieds. La maison n’a pas été habitée depuis plus de 70 ans. Il a une fondation en pierre et les étages supérieurs à ossature de bois sont détériorés. Il y a de l’électricité sur l’île et l’eau est tirée de la rivière bien qu’il n’y ait pas de services publics connectés à la villa.

Cela peut nécessiter des travaux, mais c’est une maison de fête qui attend – la liste indique qu’elle dispose de 11 chambres.

Il y a une raison pour laquelle le nom de Nikola Tesla est sur une voiture électrique de pointe au 21e siècle – l’homme était un génie scientifique. Ses découvertes sur l’électricité et ses applications pratiques ont représenté un énorme bond en avant dans notre compréhension de la technologie dont nous dépendons désormais tous les jours. Tesla était un futuriste ainsi qu’un showman dont les démonstrations publiques d’avancées scientifiques ont ravi le public.

Voici une radiographie du pied de Nikola Tesla qu’il a prise lui-même à l’aide d’une machine qu’il a conçue en 1896. Il avait appris la découverte de la technologie des rayons X par William Rontgen l’année précédente et avait décidé d’étudier lui-même la technologie. Cette photo de son propre pied, portant une botte avec de nombreux clous à travers le talon (c’est ainsi que les bottes étaient et sont toujours fabriquées), est une image radiographique remarquable pour 1896, bien qu’elle ait probablement exposé Tesla à des quantités dangereuses de rayonnement.

En 1885, l’archéologue britannique Alfred Maudslay a visité le site maya de Copan , une ville abandonnée dans l’ouest du Honduras qui s’est avérée être un trésor d’art et d’artefacts de la culture maya. Copan comprend une acropole avec de nombreuses structures de temple, un terrain de balle, une place de monument et l’escalier hiéroglyphique – un escalier massif dont les pierres composantes comportent 2200 glyphes. Ensemble, l’escalier hiéroglyphique est le plus long texte hiéroglyphique maya connu.

Sur cette photo, une personne se tient à côté de la stèle N, l’une des plus de 80 stèles de Copan. Stela N a été construite par le 15ème souverain, nommé K’ak’ Yipyaj Chan K’awiil ou « Smoke Shell ». Il a été dédié en 761 après JC. Smoke Shell était l’un des derniers dirigeants de Copan, et sa stèle est sans doute la plus ornée et la plus impressionnante de toutes les stèles du site. Le roi est représenté en plein relief, accompagné de symboles de sa puissance divine et décoré sur les côtés de glyphes liés à l’histoire et à la mythologie.

Cette pyramide merveilleuse, façonnée à partir de pas moins de 12 000 casques allemands, n’est que l’un des deux édifices de ce type qui ornaient le « Victory Way » à New York. L’artère, un tronçon de Park Avenue orné d’un éventail de souvenirs militaires allemands, a accueilli ces puissants symboles de triomphe, chacun placé aux extrémités opposées de la grande promenade. Telle était l’ampleur et la grandeur du spectacle qu’il a laissé tous ceux qui l’ont vu émerveillé, un témoignage de la bravoure et du sacrifice des forces alliées qui étaient sorties victorieuses des cendres de la guerre. Vraiment, c’était un spectacle à voir, une lueur d’espoir et un rappel de la résilience de l’esprit humain.

Ah, que les apparences peuvent être trompeuses ! Car bien que cette image puisse sembler dépeindre un merveilleux spectacle de lumière, c’est en réalité un cauchemar déchirant devenu réalité. Les traînées éblouissantes qui illuminent le ciel nocturne ne sont autres que des obus de mortier, pleuvant sur le champ de bataille dans un barrage de destruction. Cette photographie obsédante a été prise en 1917, au milieu du sang et du chaos de la Grande Guerre. Les survivants d’un tel assaut se sont retrouvés avec des blessures graves qu’il était pratiquement impossible de soigner dans les tranchées exiguës et sordides. Souvent, il fallait des jours de souffrances insupportables avant qu’un semblant de soins puisse être administré. Telle était la réalité de la guerre, un cycle implacable de mort et de dévastation qui coûterait la vie à d’innombrables âmes et marquerait les survivants à vie.

Ah, avant que l’illustre Statue de la Liberté n’orne les rives de New York de sa magnifique présence, elle a été fabriquée avec soin et précision dans le beau pays de France. Sa construction a été un travail d’amour qui a duré huit ans, chaque étape étant méticuleusement planifiée et exécutée avec le plus grand soin. Son visage glorieux, à commencer par sa tête resplendissante, a été révélé au monde lors d’une grande exposition à l’Exposition universelle en France, un merveilleux prélude à son éventuel voyage à travers les mers vers le pays de la liberté. Vraiment, elle se présente comme un symbole d’espoir et de liberté, un phare brillant de l’esprit humain et un témoignage du pouvoir durable de l’unité et de la persévérance.

À l’ombre de la Première Guerre mondiale, la menace imminente des gaz nocifs et des toxines en suspension dans l’air représentait un risque grave pour tous ceux qui vivaient dans son ombre. Le péril était si grave que même les enfants étaient enrôlés pour recevoir une formation approfondie et des exercices à l’école, afin d’être préparés au pire. La population civile a également reçu une instruction similaire, fournie par les efforts diligents du département de la défense civile.

Au fur et à mesure que la guerre progressait et que la menace devenait plus prononcée, les écoles à travers le pays ont mis en œuvre un programme complet d’éducation sur les masques à gaz en 1941, garantissant que tous ceux qui restaient seraient équipés des connaissances et des outils nécessaires pour survivre dans cette nouvelle réalité périlleuse. Vraiment, c’était une période de ténèbres et d’incertitude, mais grâce à l’unité et à la persévérance, le peuple endurerait et triompherait de l’adversité.

La guerre civile américaine, un conflit de grande ampleur qui a fait rage à travers le pays de 1861 à 1865. Les troupes de l’Union du nord se sont affrontées avec les soldats confédérés, qui se sont tenus fermement à la défense des sept États esclavagistes du sud. C’était une époque de conflits et de bouleversements, un creuset qui mettait à l’épreuve l’âme même d’une nation. Cette photographie, prise en 1864, représente les troupes de l’Union alors qu’elles reçoivent leurs rations, après avoir été capturées et retenues prisonnières à Fort Sumter dans le bel état de Caroline du Sud. Même au milieu des ravages de la guerre, l’esprit de l’âme humaine perdure, alors que ces vaillants soldats, sans se laisser décourager par leur captivité, continuent d’avancer avec une détermination inflexible. Vraiment, c’est un témoignage de la résilience de l’esprit humain et du pouvoir durable de l’espoir, même dans les moments les plus sombres.

Dans cette image, nous voyons le célèbre égyptologue Howard Carter, l’explorateur intrépide qui allait découvrir la tombe perdue depuis longtemps du roi Toutankhamon. La nouvelle de son incroyable découverte se répandit comme une traînée de poudre dans le monde entier et, en novembre 1922, il fut salué comme un héros d’une renommée inégalée. Ici, il est capturé au milieu de son examen minutieux du sarcophage doré, scrutant attentivement son intérieur à la recherche d’indices sur les secrets cachés à l’intérieur. Telle était sa détermination et sa détermination, son engagement inébranlable à percer les mystères du monde antique, qu’il deviendrait une légende à son époque, inscrite à jamais dans les annales de l’histoire en tant que véritable maître de son métier.

A l’époque de la Prohibition, le commerce illégal de l’alcool était une véritable industrie à part entière et les femmes, en particulier, s’avéraient de redoutables actrices dans ce domaine ténébreux. En effet, il n’était pas rare que les femmes se livrent à la production de moonshine ou prennent une part active dans les opérations de contrebande. Et pourtant, l’avantage peut-être le plus frappant de ces femmes était le fait qu’à l’époque, les forces de l’ordre n’avaient pas le droit de les fouiller. Cela a fourni un avantage critique, qui a permis à ces femmes audacieuses d’exercer leur métier en toute impunité, même face à un examen minutieux et au danger. Vraiment, c’était une époque de bouleversements et d’incertitude, une époque où la frontière entre la loi et l’ordre et le monde ténébreux de la pègre était souvent floue au-delà de toute reconnaissance.

Voici, capturé dans cette image, un rassemblement des plus grands esprits de notre beau pays. Ici, nous voyons l’inimitable Henry Ford, fondateur de l’illustre Ford Motors, aux côtés de nul autre que le président Warren G. Harding, l’estimé Thomas Edison et Samuel Firestone, descendant de la vénérable Firestone Tire and Rubber Company. Et pourtant, ce qui est peut-être le plus remarquable dans ce rassemblement, c’est le cadre lui-même, car c’est lors d’un voyage en camping que ces titans de l’industrie et de la politique se sont rencontrés.

On dit que Ford et Edison n’étaient pas étrangers à de telles aventures et que c’est leur amour commun du plein air qui a finalement attiré Firestone et Harding dans le giron. Ensemble, ces hommes se sont lancés dans une odyssée de connaissances et de découvertes, un voyage qui laissera une marque indélébile dans le monde de la science et de l’industrie. Vraiment, c’était une époque de grande innovation et de camaraderie, une époque où tout était possible pour ceux qui avaient l’audace de rêver.

Dans sa jeunesse, Winston Churchill a fait une figure frappante en effet. Avec ses traits ciselés et son sens du style impeccable, il était l’incarnation même de la sophistication et du raffinement. Mais ce n’était pas son apparence seule qui le propulserait vers la grandeur, car Churchill était un homme d’une intelligence rare et d’une détermination inébranlable. En tant qu’homme politique et homme d’État britannique, il a occupé le poste de Premier ministre du Royaume-Uni non pas une, mais deux fois, d’abord de 1940 à 1945, puis de 1951 à 1955. C’est pendant son mandat de chef qu’il allait mener la Grande-Bretagne à une victoire époustouflante sur l’Allemagne nazie pendant la Seconde Guerre mondiale, un exploit qui lui vaudra une place dans les annales de l’histoire comme l’un des plus grands dirigeants de tous les temps. Et pourtant, Churchill ne s’est pas contenté de se reposer sur ses lauriers, car il était aussi un écrivain et un historien doué, réputé pour sa prose incisive et sa profonde connaissance des événements mondiaux. Son talent était si grand qu’il allait même remporter le prix Nobel de littérature en 1953, un témoignage de l’étendue et de la profondeur de son œuvre extraordinaire. Vraiment, Winston Churchill était un homme d’un talent et d’une vision rares, un leader qui a laissé une marque indélébile sur le monde et le cœur de tous ceux qui l’ont connu.

Par un après-midi d’automne frais de l’année 1863, le grand Abraham Lincoln se tenait devant une foule de milliers de personnes lors de l’inauguration du cimetière national des soldats à Gettysburg, en Pennsylvanie. C’était une époque de grands bouleversements et de tragédies, une époque où les armées de l’Union venaient tout juste de sortir victorieuses de la bataille la plus sanglante de la guerre civile. Et pourtant, au milieu des décombres et des ruines, Lincoln se tenait debout, un phare d’espoir et d’inspiration pour tous ceux qui le regardaient.

C’est alors qu’il a prononcé son désormais célèbre discours de Gettysburg, un hommage émouvant à la bravoure et au sacrifice de ceux qui ont combattu et sont morts pour la défense de leur pays. Avec ses paroles, Lincoln s’adressait non seulement aux soldats qui avaient donné leur vie, mais à tous les Américains, leur rappelant que leurs luttes n’étaient pas vaines et qu’ils devaient rester inébranlables face à l’adversité. C’était un message qui résonnerait à travers les âges, un appel aux armes pour tous ceux qui chercheraient à défendre les valeurs de liberté et de démocratie, et un témoignage de la puissance durable de l’esprit humain même dans les moments les plus sombres.

Quelle image effrayante c’est, un rappel brutal des temps sombres qui ont tourmenté notre monde il n’y a pas si longtemps. Ici, nous voyons la cérémonie annuelle de prestation de serment à minuit des troupes SS nazies, un rassemblement qui ressemble plus qu’une ressemblance passagère à un sinistre rite des arts sombres. La cérémonie a eu lieu à la Feldherrnhalle de Munich, un lieu qui deviendrait synonyme du pire des maux de l’humanité. C’est ici que tous les officiers et soldats SS devaient jurer leur loyauté et leur « allégeance absolue » au tristement célèbre Adolf Hitler, un homme qui allait incarner l’essence même des ténèbres.

Et pourtant, même au milieu des horreurs de cette terrible époque, il y avait ceux qui résisteraient, qui lutteraient contre les forces du mal et de la tyrannie. Ils étaient les braves et les audacieux, ceux qui défendraient ce qui était juste et juste, quel qu’en soit le prix. Car c’est dans ces moments de ténèbres que les véritables héros de notre monde émergent, brillants phares d’espoir même dans les nuits les plus sombres.

Jetez un œil à Ruby Bridges, une jeune fille qui deviendrait un symbole de courage et de résilience face à une adversité écrasante. En l’an de grâce 1960, Ruby est devenue la toute première enfant noire à fréquenter une école entièrement blanche, William Frantz Elementary à la Nouvelle-Orléans. Et pourtant, alors même qu’elle se lançait dans ce voyage historique, elle n’aurait pas pu être préparée à l’hostilité et à la haine pures qui l’attendaient devant les portes de l’école. À ses jeunes yeux, la foule de manifestants en colère peut avoir semblé être une version étrange et tordue de Mardi Gras, mais en vérité, ils étaient tout sauf festifs.

Jour après jour, ils l’ont harcelée, crachant des mots haineux et lançant des insultes, déterminés à briser son esprit et à écraser sa résolution. Et pourtant, à travers tout cela, Ruby est restée inébranlable et forte, s’appuyant sur sa foi et sa croyance inébranlable en la justice et l’égalité pour la voir traverser les moments les plus sombres. Car même si le chemin à parcourir serait long et semé d’embûches, Ruby savait qu’elle devait persévérer, pour le bien de tous ceux qui viendraient après elle.

Jetez un coup d’œil au Mickey Mouse Kids Club, un phénomène qui a pris d’assaut le monde en l’an de grâce 1955. Avec un spectacle du même nom à sa tête, ce club a ouvert de nouvelles voies dans le monde du divertissement pour enfants, employant des talents frais et jeunes pour donner vie à leurs histoires sur le petit écran. Et c’est cette approche qui s’est avérée si fructueuse, car les enfants du monde entier pouvaient se voir reflétés dans les personnages qu’ils regardaient, trouvant un sentiment d’appartenance et de communauté qu’ils n’avaient jamais connu auparavant.

Et bientôt, le Mickey Mouse Kids Club était plus qu’un simple spectacle – c’était un mouvement, un appel aux armes pour que les jeunes de tout le pays se réunissent et partagent la joie et l’émerveillement de l’enfance. Des réunions du club au courrier des fans, le club a inspiré une génération d’enfants à rêver grand, à viser les étoiles et à ne jamais perdre espoir, peu importe les chances. Car vraiment, le Mickey Mouse Kids Club était plus qu’un simple club – c’était une famille, unie par la magie intemporelle de l’enfance et les liens indestructibles de l’amitié.