Des photos groovy si belles qu'on ne peut pas détourner le regard

Au milieu de la ferveur des années 70, aucune âme ne pouvait égaler la maîtrise de Joey Ramone de la moppet de cheveux qui tombait en cascade dans un abandon sauvage de sa tête. Alors que de nombreux gars s’efforçaient de suivre le rythme des dernières tendances et se soumettaient consciencieusement à un cisaillement mensuel de leurs serrures, Joey s’avançait avec ses cheveux en pleine gloire, imprégnés d’une vitalité et d’une verve qui semblaient s’animer d’elles-mêmes. Sa coiffure emblématique l’a élevé au panthéon des plus grandes légendes du punk rock, car il a refusé d’acquiescer aux normes arbitraires de la société. Non, il s’est délecté de sa singularité, et ce faisant, il a gagné l’admiration sans bornes de ceux qui embrassent les vertus de la non-conformité.

Ah, l’illustre chanteuse et mélodiste, véritable icône culturelle connue pour son flair vestimentaire ! Ses vers enchanteurs ont été employés comme allusions et accompagnements harmonieux dans de nombreuses productions, y compris les très estimées Gilmore Girls. Vraiment, ses prouesses lyriques ont résisté à l’épreuve du temps, durant des décennies depuis leurs débuts initiaux.

Le Whiskey A Go Go domine le Sunset Strip à Los Angeles comme l’un des clubs de rock les plus importants de l’histoire. Depuis son ouverture en 1964, il a accueilli des groupes comme The Byrds, The Doors et même Mötley Crüe . Le club est si profondément lié à l’ADN de la culture populaire que même des artistes comme les Beatles et Led Zeppelin ont demandé à voir l’endroit lorsqu’ils sont venus à Los Angeles.

Lorsque le club a ouvert ses portes en 1964, ce n’était pas le rock ‘n’ roll gratuit pour tout ce que nous pensons. Au départ, c’était une sorte de club de danse où des artistes comme Johnny Rivers de « Secret Agent Man » jouaient trois sets par nuit. Entre ses sets, le public a dansé sur des disques joués par un DJ. Au départ, cette DJ était une jeune femme qui tournait des disques dans une cabine en verre suspendue au-dessus de la piste de danse, faisant d’elle la première go-go girl. Le propriétaire d’origine du club, Elmer Valentine, a décrit la scène à Vanity Fair :

Alors elle est là-haut en train de jouer les disques. C’est une jeune fille, alors pendant qu’elle les joue, tout d’un coup, elle se met à danser dessus ! C’était un rêve. Ça a marché.

Elizabeth Montgomery a peut-être l’air aussi cool qu’un concombre sur cette photo, mais elle admet qu’avant sa première grande pause, elle a failli avoir une crise de panique. En 1952, elle a battu une série d’actrices pour jouer la fille de son père dans sa série Robert Montgomery Presents , quelque chose qui a dû être un jeu d’enfant, mais elle dit qu’avant que les caméras ne commencent à tourner, elle a failli fuir le studio en criant :

Tout le monde était sur des épingles et des aiguilles alors que l’heure du spectacle approchait. Papa m’a appelé dans sa loge pour un discours d’encouragement à l’ancienne de dernière minute. Je lui ai assuré que tout était sous contrôle en ce qui me concernait. Je ne sais pas s’il pouvait dire que je tremblais de tout mon corps. Mais lorsque les caméras se sont animées pour le spectacle, je n’ai eu aucun mal à me concentrer de mon côté et le programme s’est déroulé sans encombre.

En 1978, Bruce Springsteen participait à l’une des tournées les plus importantes de sa vie. De mai 1978 au 1er janvier 1979, Springsteen a joué 115 spectacles et a frappé les principaux marchés, les villes universitaires et partout entre les deux pour prêcher l’évangile de The Boss.

Voir un spectacle de Springsteen aujourd’hui, c’est comme aller à un marathon. Il y a plusieurs sets, des albums entiers sont joués et le public part après s’être relevé du sol. En 78, les sets de Springsteen n’avaient pas tout à fait atteint cette longueur, mais ils étaient intenses. De nombreux critiques à l’époque ont décrit ces émissions comme des expériences religieuses, le critique du Los Angeles Times Robert Hilburn écrivant :

J’ai réalisé la confiance que je commençais à mettre en Springsteen le jour de décembre 1978 où j’ai conduit 400 milles jusqu’à Tucson, Arizona, pour le voir en concert [pour des raisons personnelles, pas en tant que mission professionnelle]. Le spectacle faisait partie d’un court swing occidental vers la fin de la tournée Darkness qui a sauté Los Angeles … [une] vague d’émotion m’est venue lors du concert de Bruce à Tucson … voir Springsteen se pousser si fort sur scène et écouter l’éloquence de ses chansons m’a fait oublier les doutes et repenser à mes propres rêves.

Une grande partie du début de la vie d’Yvonne Craig a été remplie de répétitions pour ce qu’elle considérait comme sa véritable vocation, le ballet. Elle a étudié avec la ballerine et instructeur Alexandra Danilova avant de devenir membre du Ballet Russe de Monte Carlo en tant que plus jeune membre. Cependant, lorsqu’elle a déménagé à Los Angeles pour poursuivre sa carrière de danseuse, elle s’est retrouvée attirée par le théâtre.

Craig a eu ce genre de carrière charmante où elle a été choisie facilement, principalement en tant qu’ingénues dans des émissions de télévision tout au long des années 50 et 60, mais c’est son rôle de Batgirl dont on se souviendra toujours d’elle. En parlant avec Closer, Craig a expliqué que lorsqu’on lui a proposé le rôle, elle ne savait pas vraiment ce qu’était Batman , mais cela ne l’a pas empêchée d’étudier jusqu’à ce qu’elle le comprenne :

[Les producteurs] m’ont appelé et m’ont dit qu’ils envisageaient d’ajouter une fille à Batman . Je n’avais jamais vu le spectacle, même si tout le monde en était fou. Même lorsque je tournais Batman, j’avais une télé en noir et blanc. Je suis un lecteur de livres et pas vraiment un observateur de télévision, donc je n’ai tout simplement pas fait attention. Le producteur, William Dozier, a dit : « Je suis sûr que vous avez vu notre émission », et j’ai répondu : « En fait, je ne l’ai pas vu, mais si j’obtiens le rôle, je passerai l’été à regarder des rediffusions, donc Je sais comment je vais m’intégrer dans l’ordre des choses.

Après que le nouveau visage de Jamie Lee Curtis ait joué le rôle de Laurie Strode dans Halloween , elle ne savait pas pourquoi les gens voudraient regarder un film aussi stressant. Après tout, pourquoi le public voudrait-il paniquer ?

Curtis dit qu’elle n’a pas vraiment compris avant d’avoir vu le film avec un public plein de gens qui étaient complètement investis dans la survie de Laurie. Elle a déclaré au New York Times:

Je me souviens d’être allé le voir à Hollywood, et au milieu du film, quand Laurie traversait la rue jusqu’à la maison où le personnage de PJ Soles vient d’être étranglé, cette femme s’est levée et a crié : « N’entre pas là-dedans ». !’ Dans cette seconde, j’ai compris exactement ce que John voulait dire. Le public se souciait de Laurie.

Cela montre simplement le pouvoir de voir un film comme Halloween avec un grand groupe de personnes, c’est absolument mieux que de regarder un film seul à la maison.

Il est impossible de penser aux années 1970 en pensant à Fawcett dans son maillot rouge , nous souriant depuis son affiche avec ce sourire à un million de dollars. Même si elle n’a jamais rien fait après cette affiche, elle serait toujours le soleil d’or de l’une des plus grandes décennies du 20e siècle.

Farrah Fawcett a transformé sa beauté californienne baignée de soleil en une carrière avec des rôles principaux dans Charlie’s Angels et The Burning Bed, un rôle qui l’a acclamée. Cependant, Fawcett a quitté Charlie’s Angels après une seule saison, s’affirmant à jamais comme la star de la télévision jiggle qui est sortie tôt et a continué à régner en maître.

C’était un talent fulgurant, quelqu’un qui a pris quelques petites années et en a fait le reste de sa carrière. C’est un talent que si peu de stars ont.

Nous pensons à Sonny et Cher comme le couple qui est devenu célèbre en tant que duo de chanteurs, mais ce n’est pas comme ça que tout a commencé. Ils sont passés des amoureux de l’Amérique à des rivaux amers, à des célébrités qui ont réussi de manière unique les unes par rapport aux autres, sans la capacité de s’extraire de leur passé en tant que duo. Au départ, leur relation a commencé comme platonique. Ils se sont rencontrés en 1963 lorsque Cher avait 16 ans et Sonny en avait 27 et se sont immédiatement liés d’amitié avant d’emménager ensemble dans un petit appartement.

Sonny et Cher disent tous deux que leur première relation était dépourvue de tension sexuelle, et ce n’est que plus tard qu’ils se sont rencontrés. En 1975, Cher expliquait :

Ce n’était pas une chose fougueuse et sexy avec nous, mais plutôt paternelle, comme si nous étions liés, deux personnes qui avaient besoin l’une de l’autre, presque pour se protéger.

À l’époque, Cher chantait en renfort sur des chansons comme « Be My Baby », tout en travaillant sur leur double acte « Caesar and Cleo ». En 1965, ils ont marqué un tube avec « I Got You Babe », mais ce n’est qu’en 1969 que les deux se sont mariés et ont officialisé leur relation.

On pense souvent à Frank Zappa comme le roi cinglé de la scène rock psychédélique, mais même si sa musique se caractérise par une nature ludique qui frise l’ascorbique, il était beaucoup plus un père de famille que les gens ne le pensent. Cette photo le montre passer du temps en famille avec ses parents, qui n’avaient rien à voir avec leur fils.

Le père de Zappa travaillait pour le ministère de la Défense, alors ils ont déménagé à travers le pays pendant des années jusqu’à ce qu’ils s’installent en Californie quand Zappa avait 15 ans. Il avait du mal à nouer des amitiés et n’avait jamais très bien réussi à l’école, mais il était doué pour la musique et avait un penchant pour faire exploser des produits chimiques. La même partie de lui qui aimait créer des expériences scientifiques s’amusait à élever ses propres enfants. Son fils, Ahmet, a déclaré au Guardian:

Je pense que ce que mon père appréciait était l’expérience scientifique de la vie. Il avait ces enfants, et ils avaient leurs propres expériences. Il voulait que nous découvrions le monde par nous-mêmes. Mes parents nous ont dit ce qu’ils ressentaient mais ne nous ont jamais imposé leurs croyances, bien que j’apprécie d’avoir reçu d’eux un sens sain de la démocratie. Quand il s’agissait de discipline, mon père ne nous fessait jamais. S’il te disait : « Tu agis comme un con », c’était la pire chose qui soit.

La vallée des poupées de 1967 a été décrite comme un « feuilleton sale capable de la vulgarité la plus offensante et la plus épouvantable jamais lancée par n’importe quelle civilisation », mais c’est aussi beaucoup de plaisir campy.

Plus connu pour avoir interprété Sharon Tate dans le rôle de Linda, une beauté laquée à la laque qui vole chaque scène avec beaucoup de décolleté et de pommettes qui semblent sculptées dans du marbre. Mais elle n’est pas la seule star du film. Patty Duke et Barbara Perkins remplissent le reste du film en tant que Neely et Anne, le film est devenu emblématique pour sa représentation de la mode des années 60.

Le film suit les trois femmes alors qu’elles deviennent accros aux pilules dans l’industrie du divertissement, et malheureusement ses délices kitsch ont été éclipsées par le meurtre de Tate deux ans plus tard aux mains des partisans de Charles Manson . Au moment de sa mort, elle était enceinte de huit mois et demi. Elle venait de se marier un an auparavant avec son réalisateur, Roman Polanski.

Cela peut ressembler à un étranger sauvage et laineux, mais vous ne regardez pas un banjo portant desperado, ce gars sauvage et fou est Steve Martin , l’un des plus grands artistes de tous les temps. Il a fait rire les gens pendant des années, d’abord avec son stand up et plus tard dans des films comme The Jerk et Dirty Rotten Scoundrels , mais avant qu’il ne frappe grand, il n’était qu’un autre folk de la côte ouest.

Dès son plus jeune âge, Steve Martin était un interprète. Il avait les yeux rivés sur le grand moment et, afin de perfectionner ses compétences, il a pris des emplois à Disney Land et à Knotts Berry Farm dans diverses troupes de comédie. Il dit que ce genre d’éducation sur la côte ouest a fait de lui ce qu’il est :

J’étais très heureux de l’endroit où j’ai grandi. J’ai vraiment adoré, la plage, être près de Disneyland et Knotts Berry Farm. J’ai pu y devenir interprète. Tout cela faisait partie de ma jeune, jeune histoire. J’ai commencé à travailler à Disneyland quand j’avais 10 ans. J’ai pu me déguiser et entrer dans ce parc d’attractions bien entretenu.

Avant d’être la star de Taxi Driver , Robert De Niro était en fait chauffeur de taxi . Il a pris le rôle après avoir joué dans Mean Streets , donc ce n’est pas comme s’il manquait d’argent et devait prendre un emploi, à l’époque, De Niro aimait aller de l’avant.

Pour entrer dans la tête d’un vétéran du Vietnam qui parcourait les rues de New York et rêvait de nettoyer la ville à travers une vague de violence, De Niro a ramassé des foires et a étudié ses cavaliers pendant 12 heures d’affilée pendant un mois d’affilée.

De Niro dit que pendant qu’il se préparait pour le concert, il n’a été reconnu qu’une seule fois, et c’était par un autre acteur. Selon Andrew J. Rausch, l’auteur des Films de Martin Scorsese et Robert De Niro, l’acteur s’est exclamé : « Eh bien , c’est jouer. taxi! »

Cette photo provient de la séance photo du magazine Life, « A Night with the Millers », qui montre soi-disant à quoi ressemblait la vie avec Marilyn Monroe et son troisième mari , le dramaturge Arthur Miller. L’étrange couple s’est rencontré en 1951 sur le tournage de As Young As You Feel . La nuit après leur rencontre, Monroe a écrit dans son journal :

J’ai rencontré un homme ce soir… C’était, bam ! C’était comme courir dans un arbre. Vous savez, comme une boisson fraîche quand vous avez eu de la fièvre.

Le couple improbable s’est marié en 1956 et a été immédiatement surnommé par les médias « le sablier et la tête d’oeuf », avec un magazine surnommé leur union « le mariage le plus improbable depuis le hibou et le minou ». Monroe et Miller n’ont duré que cinq ans environ avant de se séparer pour incompatibilité.Même si l’amour du couple a été de courte durée, ils restent l’une des unions les plus fascinantes du XXe siècle.

Les fans de Brigitte Bardot savent qu’il est rare de la voir en brune. Même si elle est née avec des cheveux bruns, en 1956, elle les a décolorés pour un film italien et n’y est jamais retournée. Elle peut ressembler à une plaque de mode, mais en réalité, elle n’a jamais cherché à changer l’industrie de la mode.

Bardot portait souvent ses propres vêtements dans les films, et elle ne connaissait pas grand-chose au maquillage, mais sa beauté naturelle et son charisme ont conquis le public et créé des tendances, quel que soit le peu de travail qu’elle a réellement fait pour être belle. Selon Bardot, il y a un secret dans son style :

Le style Bardot est simplement mon propre style ; en d’autres termes, ce n’est pas du tout un style. Je m’habillais de la même manière que je me coiffais : selon ce qui me plaisait et ce que je ressentais à ce moment-là. traversé par accident puis est devenu à la mode ! Ça me fait rire ! En tout cas, c’était plus joli et plus sexy que ce qu’on voit de nos jours. Je suis fière d’avoir créé un style qui ne se démode pas, car je n’ai jamais été à la mode !

Après avoir joué ensemble dans trois films, il est logique qu’Elvis et Ann-Margret aient développé une chimie sérieuse, mais il était avec Priscilla à l’époque et ne voulait pas rompre les choses. Même s’il était dans une relation apparemment maudite avec sa jeune épouse, à partir du moment où il a posé les yeux sur Ann sur le plateau de Viva Las Vegas , ils étaient sérieusement l’un dans l’autre.

Tout au long du tournage de Viva Las Vegas , Elvis et Ann se sont rapprochés de plus en plus et sont devenus de plus en plus attirés l’un par l’autre, à l’époque ils se sentaient comme des âmes sœurs. Même un ami de longue date et garde du corps de Presley a déclaré que lorsque les deux étaient ensemble, ils étaient comme un « incendie de maison ».

Cela étant dit, le roi a décidé d’être un homme de parole et a rompu avec sa co-star, lui brisant ainsi le cœur.

Le public a remarqué Alyssa Milano pour la première fois lorsqu’elle a joué Samantha dans Who’s The Boss? en face de Tony Danza . Aussi énorme que cela ait été pour sa jeune carrière, cela a joué un rôle dans l’un des moments les plus mortifiants de sa vie. Tout en parlant avec Entertainment Weekly, Milano a expliqué qu’après la diffusion de l’épisode de la saison 1 où elle doit acheter un soutien-gorge, les gens dans la rue l’ont arrêtée à plusieurs reprises pour en parler. Dit-elle:

C’était à une époque où nous ne pouvions dire « soutien-gorge » qu’une seule fois. Nous ne pouvions le dire qu’une seule fois, puis nous devions trouver des choses différentes… Je marchais dans la rue et j’étais reconnu. Les gens diraient : « Cet épisode de soutien-gorge ! » Tu vieillis, tu grandis !’ C’était tellement mortifiant.

La série télévisée MASH, a trouvé la comédie dans la lutte de la guerre de Corée pendant 11 ans entre 1972 et 1983. Se déroulant dans une base d’hôpital militaire et mettant en vedette une équipe de médecins qui soignaient les blessés tout en craquant sagement et en se coupant les uns les autres, la série a pu faire à la lumière de la guerre tout en abordant des problèmes graves, c’est une corde raide mais ils ont réussi à le faire.

Mike Farrell, qui a joué BJ Hunnicutt dans la série, dit qu’il savait vraiment que la série se connectait avec les gens après un épisode particulier qui l’a transformé d’acteur de personnage en quelqu’un qui a été assailli dans la rue, quoique de manière polie :

L’épisode qui m’a vraiment touché est celui où le général MacArthur vient camper. Tout le monde s’apprête à préparer son arrivée et ils essaient de me cacher. MacArthur passe sans prêter attention à personne jusqu’à ce qu’il conduise sur la route et me salue, habillé en Statue de la Liberté. J’étais à Beverly Hills le lendemain, marchant dans la rue et les chauffeurs de bus et les chauffeurs de taxi me klaxonnaient et les gens me saluaient dans la rue. C’était à partir d’une image stupide de Klinger. J’ai réalisé que nous ne travaillions pas seulement sur cette petite scène sonore. Cette chose va partout dans le monde et les gens nous regardent réellement.

Star of The Champions , l’une des émissions britanniques les plus étranges sur l’occulte à sortir des années 1960, Alexandra Bastedo est une actrice dont le travail est définitivement passé inaperçu tout au long du 20e siècle malgré ses apparitions dans des films comme Batman Begins et EastEnders . , mais sa véritable vocation était celle de militante des droits des animaux.

En tant que fondatrice d’Alexandra Bastedo Champions (ABC) Animal Sanctuary, Bastedo a supervisé au jour le jour le sanctuaire animalier de sa maison à West Chiltington, West Sussex, où elle a aidé des chiens, des chats, des chevaux, des ânes, des cochons et des chèvres à vivre une vie libre. Du mal. Malheureusement, elle est décédée en 2014 à l’âge de 67 ans.

Pendant quelques brèves années, le film sur la plage a été l’un des genres de films les plus appréciés des adolescents étourdis par leur chance de sortir de la maison et d’aller au théâtre tous seuls – et tout a commencé avec Beach Party .

Produit par American Pictures International de Roger Corman, Beach Party a commencé une série de sept images basées sur des adolescents qui ont des ennuis et qui vendent généralement une sorte de mystère sur la plage. Les films de Corman étaient bon marché et fonctionnaient avec des budgets restreints pour s’assurer que l’entreprise réalisait des bénéfices. En évoquant le tournage intense de ce film, Frankie Avalon note qu’il lui suffisait de le déchirer le plus rapidement possible. Il a dit:

Nous filmions constamment. Nous faisions 28 configurations par jour. Je dirais à Bill Asher… « Je ne pense pas que mon personnage Frankie dirait ça. » Et il disait : ‘De quoi tu parles ? Dites simplement la ligne. Amusons-nous avec.

Y a-t-il quelqu’un d’aussi jeune que Christina Applegate et Brad Pitt aux VMA de 1989? Aussi mignon que soit ce couple, ils n’étaient apparemment pas si chauds l’un pour l’autre. Alors que Pitt est super chaud, Applegate l’a abandonné pendant les festivités pour un autre gars, laissant Pitt aller se coucher pour le reste du spectacle.

Applegate a admis qu’elle avait abandonné Pitt au milieu de leur rendez-vous, mais elle n’a jamais dit pour qui elle l’avait quitté, préférant rester muette sur ce qui devait être un moment assez embarrassant pour un jeune acteur. Cependant, Sebastian Bach de Skid Row affirme qu’il est le gars avec qui Applegate s’est lié aux VMA . Il allègue :

Elle a été interviewée récemment sur, comme, Entertainment Tonight , ou quelque chose comme ça, et ils ont dit: ‘Quelle est la chose la plus stupide que vous ayez jamais faite?’ Et elle dit: « Une nuit, j’ai abandonné Brad Pitt pour cet autre mec. » Et ce mec serait moi. Il fut donc un temps sur cette terre où Sebastian Bach était, genre, un laïc plus chaud que Brad Pitt.

S’il y a une preuve de l’adage séculaire selon lequel les musiciens ont des filles, quelle que soit leur attirance, c’est bien le mariage de Billy Joel et Christie Brinkley. Nous n’essayons pas de faire honte à Billy Joel ou quoi que ce soit, c’est juste que ces deux-là ont l’air de venir de planètes complètement différentes.

Joel et Brinkley ont été mariés pendant un peu plus d’une décennie, mais ont finalement rompu en 1995. Même si leur mariage a pris fin, leur amitié est restée intacte, et Brinkley dit que les deux sont connus pour chanter des chants de Noël ensemble pendant les vacances. Elle a dit aux gens:

De nombreuses années après notre divorce, Billy venait toujours chez moi pour le chant de Noël et jouait du piano, et tous nos amis venaient chanter des chants de Noël. Singalongs est l’une de mes choses préférées à faire. Et vous savez que c’est ce qui rend tout le monde heureux.

Chaka Kahn a connu le succès en chantant avec le groupe Rufus en 1972, mais la chanteuse et icône droite gagnait sa vie avec la musique avant d’être une artiste gagnante d’un Grammy. N’étant pas du genre à attribuer à quiconque ou à quoi que ce soit le mérite de son succès, mais elle-même, Kahn dit qu’elle est plus inspirée par les choses de la vie qui essaient de la retenir que par les histoires d’amoureux.

Interrogée sur son inspiration par Interview Magazine, elle n’a pas tardé à expliquer comment grandir à Chicago l’a façonnée et lui a montré ce qu’elle ne voulait pas faire :

Ma mère aimait l’opéra et mon père le jazz, donc il y avait beaucoup de jazz dans la maison où j’ai grandi. Je suis né et j’ai grandi dans la région de l’Université de Chicago et j’ai eu une enfance catholique de classe moyenne sans histoire. J’ai eu une éducation catholique lourde et le catholicisme est terrible – c’est la raison pour laquelle il y avait des esclaves. La messe tous les matins à sept heures pendant le carême… Ce fut un grand soulagement quand j’ai finalement réalisé ce dans quoi j’étais et ce que j’en ai retiré, et même si cela a peut-être contribué à faire de moi la personne forte que je suis, je déteste lui donner crédit pour quoi que ce soit dans ma vie. C’est une religion totalement négative, faite par l’homme. Quoi qu’il en soit, je détestais aussi l’école alors j’ai arrêté quand j’avais 16 ans et j’ai rejoint un groupe pour gagner de l’argent.

Célèbre pour jouer des détectives mécontents, plutôt des cow-boys et des vieillards de mauvaise humeur, cela pourrait vous surprendre que le plus gros tirage au box-office de Clint Eastwood  (dans lequel il apparaît mais ne réalise pas) est le film de copain Every Which Way But Loose .

En 1978, c’était un risque énorme pour Eastwood de jouer dans une comédie. Il était connu pour ses rôles sérieux dans les westerns et les drames, et pas nécessairement pour son sens de la comédie, mais quand on lui a donné le scénario dans l’espoir qu’il le transmettrait à son copain Burt Reynolds, il a sauté sur l’occasion de co-vedette dans un film avec un orang-outan.

On ne sait pas pourquoi Eastwood voulait se lancer dans des hijinks avec un primate, mais le pari a porté ses fruits pour l’acteur et il a réussi à l’humaniser après une série de films qui l’ont fait se sentir comme un solitaire lointain.

Après s’être connus pendant un peu plus de trois semaines, Peter Sellers et Britt Ekland se sont mariés dans un tourbillon en 1964. Lui et la bombe suédoise ont peut-être l’air amoureux, mais de sérieux problèmes se cachaient sous la surface pour ce charmant couple. .

En privé, Sellers était autoritaire et jaloux, quelque chose qu’il savait de lui-même. Il disait souvent : « Si je ne peux pas vraiment trouver un moyen de vivre avec moi-même, je ne peux pas m’attendre à ce que quelqu’un d’autre vive avec moi.

Les deux se sont rencontrés après que Sellers ait vu une photo d’Ekland dans un journal et l’ait recherchée. Son pari a fonctionné et les deux étaient presque inséparables à partir de là, enfin pendant quelques années. Ekland dit que Sellers était incroyablement difficile à gérer, mais qu’elle comprend qu’une grande partie de ses problèmes découlaient d’un problème mental. Dit-elle:

Il souffrait ou était manifestement bipolaire, sévèrement bipolaire. C’était une âme très tourmentée qui aurait dû avoir plus d’aide. Mais au lieu de cela, il était incapable [de] parce qu’il était un atout si précieux.

Sans poser de questions, Dale Earnhardt Sr. est le pilote le plus important de l’histoire de NASCAR. Sa carrière de pilote débute en 1975 alors qu’il n’a que 24 ans. Il a rapidement gagné le surnom de « The Intimidator » grâce à une série de sept championnats de la Coupe Winston. Son style de conduite agressif associé à ses mouvements controversés sur la piste en ont fait l’un des concurrents les plus redoutables de toutes les époques.

Earnhardt a heurté des voitures, il est passé comme si cela se démodait et il n’a laissé personne le déranger sur ou en dehors de la piste. Son fils, Dale Earnhardt Jr. dit que même s’il était intimidant, ce n’était pas un méchant, c’était juste quelqu’un à qui vous vouliez plaire.

Vous vouliez lui plaire tout le temps, le rendre heureux et vous vouliez, quoi que vous fassiez, vous vouliez qu’il obtienne en quelque sorte une réponse de sa part.

En 1978, La graisse était le mot sur toutes les lèvres . Le film a réalisé quelque chose que peu de comédies musicales peuvent faire, ce fut un succès immédiat qui a dépassé ce que l’on pense d’une adaptation musicale et il était – et reste – partout.

Bien sûr, le film met en vedette des adultes qui jouent des adolescents, et son iconographie des années 50 est un peu lourde pour les années 70, mais quelque chose à propos de ce film fonctionne. C’est intrinsèquement regardable et tellement amusant. Lorsque le film a été présenté en première, c’était un pandémonium, à la fois avec les fans et les stars. Olivia Newton-John a déclaré à propos de la soirée de sortie du film :

Je me souviens juste que c’était fou. Il y avait beaucoup de gens dans les toilettes qui faisaient des choses étranges que je n’avais jamais vues auparavant. C’était sauvage et amusant et une nuit très excitante.

Nous nous souvenons tous d’Elvis comme d’un morceau d’amour brûlant , mais il était plus qu’un joli visage avec une voix du ciel, il était un ardent partisan des vaccinations. En 1954, le Département de la santé de la ville de New York a lancé une vaste campagne pour promouvoir la vaccination contre la poliomyélite.

Afin d’amener les gens à bord avec la vaccination contre la polio de Jonas Salk, Elvis Presley a accepté d’apparaître dans une séance photo dans un instantané rapide pris avant une apparition sur The Ed Sullivan Show.

La photo montre le commissaire à la santé de la ville de New York tenant le bras d’Elvis alors que le commissaire adjoint Harold Fuerst administre le vaccin contre la polio. En 1963 – moins de dix ans plus tard – le nombre de cas de poliomyélite dans la région était nul, oeuf d’oie, zéro, et pour cela nous pouvons remercier The King.

Lorsque Jim Morrison est monté sur scène avec The Doors, c’était comme amener le public à un éveil spirituel. Il se débattait et hurlait dans une brume ivre et droguée afin d’inciter ses partisans à une rêverie spirituelle, mais cela ne fonctionnait pas toujours comme il le voulait.

Dans ses premières années, Morrison était hypnotique. Ses performances ont bercé le public dans une transe. Il a amené ses fans à travers le paradis et l’enfer afin d’atteindre le ravissement musical, mais quelques années après le succès du groupe, il s’est perdu dans les deux. Ses performances sont passées de chaotiques à désastreuses.

Cette photo montre Morrison au début de sa carrière alors qu’il était encore le roi des lézards, M. Mojo Rising. Il ignorait qu’il n’était qu’à quelques années de se détrôner.

Rien qu’en regardant cette photo, il peut sembler que Gloria Paul a tout. Cette beauté anglaise a commencé sa carrière comme danseuse de ballet avant de quitter sa compagnie de danse professionnelle pour s’essayer au théâtre. Son pari est réussi et elle se retrouve rapidement dans des films comme Goldfinger et Pour quelques dollars de plus avant de passer à la télévision où elle apparaît dans le Benny Hill Show .

Paul a continué à jouer en Angleterre jusqu’aux années 90, lorsqu’elle a subi un accident anormal. Alors qu’elle prenait une douche chez elle, le chauffe-eau est tombé à travers le plafond et a atterri directement sur elle. Elle était paralysée de la taille aux pieds. Cet accident a mis fin à sa carrière et l’a forcée à se retirer complètement. Dans une récente interview, Paul a déclaré qu’elle avait de la chance d’avoir des amis qui sont restés à ses côtés même maintenant qu’elle n’est pas à l’écran :

Après l’accident, j’ai découvert que les gens me souhaitaient vraiment du bien et j’ai eu beaucoup de chance dans le choix de mes amis. Comme le dit le proverbe : « Vous découvrez qui sont vos vrais amis dans les mauvais moments », et dans les mauvais moments, ils étaient toujours à mes côtés. J’avais un bon flair pour les amis, et quand j’en ai besoin, ils sont là. Avec mon métier, vous connaissez mille personnes, mais dans la vie il faut être sélectif. Il ne faut pas juger les gens trop vite, cela prend du temps.

Bullitt est plus qu’un simple film de voiture , c’est un film d’action qui a changé Hollywood pour toujours, ouvrant la voie à des films tournés sur place. Plus connu pour son cas de voiture, le film était innovant et passionnant, emmenant le public dans une balade à laquelle il ne s’attendait pas.

Au premier plan de ce film se trouvait Steve McQueen, déjà une immense star et quelqu’un qui mettait des mégots dans les sièges. Avec Bullitt , il est passé de star à autre chose de complètement. La co-star Jacqueline Bissett a noté qu’il était super d’être sur le plateau avec, et rien de tel que la star que les gens pensaient qu’il était. Elle a expliqué:

Steve était une star majeure à l’époque mais très patient avec moi et nous allions manger au restaurant avec le réalisateur et le producteur quand nous faisions une pause déjeuner… Regarder ces voitures sauter dans les airs dans les rues de San Francisco était incroyable . Il y avait aussi des scènes où je devais conduire Steve dans une décapotable jaune et rappelez-vous avoir pensé Dieu tout-puissant, je ne veux pas gâcher ça avec un pilote de voiture de course à côté de moi !

The Girl Can’t Help It a peut-être été considéré comme un simple véhicule pour Jayne Mansfield , mais quand il est sorti en 1956, il a eu pour conséquence involontaire d’apporter essentiellement du rock n roll au monde.

Le film a définitivement fait de Mansfield un nom, mais la partition était la vedette du film. Mettant en vedette Little Richard, Eddie Cochran et Gene Vincent, lorsque le film est arrivé au Royaume-Uni, il a inspiré des adolescents comme John Lennon et Paul McCartney qui ont commencé à travailler dans les styles rock n roll de Cochran dans leurs routines de skiffle.

En ce qui concerne Mansfield, elle a ensuite joué dans Will Success Spoil Rock Hunter? en 1957, qui était de loin le plus grand film de sa carrière.

En 1962, Natalie Wood commençait tout juste son ascension vers la célébrité. Bien sûr, elle était l’enfant star de Rebel Without A Cause , mais il est plus difficile que vous ne le pensez de transformer ce genre de célébrité en véritable succès.

Wood a passé les années 60 à montrer qu’elle était plus qu’une adolescente chérie pour James Dean à aimer en apparaissant dans d’énormes comédies musicales ainsi que dans ce film décalé sur la vie de Gypsy Rose Lee. Non seulement Wood a mis beaucoup de peau à nu dans ce film, mais elle a en fait utilisé sa propre voix plutôt que de la faire doubler comme dans West Side Story .

La réponse critique au film a été un peu triste, mais ils ont adoré Wood (comment ne pouvez-vous pas?) Même si elle ne montrait pas autant de peau qu’ils le souhaitaient.

Tout le monde aime la graisse . Aujourd’hui, il y a des chants, des fêtes sur les toits et des milliers de personnes s’habillent encore comme les T-Birds et les Pink Ladies pendant Halloween, mais il y a une partie du costume de Pink Lady que beaucoup de jeunes femmes ne suivent probablement pas.

Le film suit Olivia Newton-John alors qu’elle passe de sa chérie Sandy à une bombasse avec ses cheveux taquinés au ciel et un pantalon en cuir serré. Il s’avère que pour entrer dans ce pantalon, il a fallu toute une équipe de production. Pour la faire entrer dans le pantalon super serré, elle a dû être cousue par le département des costumes.

C’est déjà assez grave, mais elle a dû rester en jean pendant toute la journée de tournage parce que c’était trop de travail de les enlever et de les remettre.

L’un des mariages les plus durables d’Hollywood a commencé le 29 janvier 1958, lorsque Paul Newman et Joanne Woodward se sont mariés à Las Vegas, Nevada. Les acteurs se sont rencontrés à New York alors qu’ils se produisaient dans la production de Broadway de Picnic , un drame romantique. Suite au succès de la pièce, Newman et Woodward ont déménagé à Los Angeles où ils sont tous deux devenus des joueurs sous contrat.

Après leur mariage en 1958, le couple s’est rendu à Londres où ils ont passé leur lune de miel à l’hôtel Connaught. Woodward a essentiellement abandonné l’industrie du divertissement pour être l’épouse de Newman, mais en 1968, elle a joué dans Rachel, Rachel , le premier film de Newman.

Woodward a reçu une nomination aux Oscars de la meilleure actrice, l’une des quatre nominations totales que le film a reçues. Newman a déclaré à la presse qu’il avait réalisé le film pour elle après qu’elle ait abandonné sa carrière pour lui.

Lorsque Happy Days a été créé en 1974, personne ne pensait que ce serait le mastodonte qu’il est devenu. Ce qui a commencé comme une série sur un grand groupe d’amis a été éclipsé par la représentation de Henry Winkler de Fonzie, quelque chose que le réseau a tenté de capitaliser en changeant le nom de l’émission. Parlant du changement proposé, Ron Howard a noté qu’il n’aurait en aucun cas laissé cela se produire :

Ils sont venus me voir et m’ont dit: « Eh bien, le réseau aimerait en quelque sorte changer le nom de l’émission en Happy Days de Fonzie. » Et j’ai dit: ‘Eh bien, je ne pense pas que je veux être dans cette émission. Je veux être dans « Happy Days » et je pense qu’Henry devrait avoir, vous savez, toutes les occasions de tout faire – c’est fantastique – mais vous savez, j’ai signé pour cette autre chose et je ne veux vraiment pas faire ça. Je pense que je retournerais à l’école de cinéma.

Howard a poursuivi en disant que lorsque Gary Marshall a entendu parler de ce qui s’était passé, il s’est personnellement assuré qu’il n’y avait pas de changement de nom et que Ron Howard restait dans l’émission.

En 1967, Elvis Presley, âgé de 32 ans, a épousé sa femme de 21 ans , Priscilla, après une séance de courtoisie intermittente qui a commencé lorsqu’il était en poste en Allemagne et qu’elle était adolescente. On dit que le roi a « formé » Priscilla à ressembler et à agir comme il le voulait, tout en entretenant des relations avec d’autres femmes et en fermant les yeux sur les relations extraconjugales de sa jeune épouse.

Cinq ans après leur mariage, le couple a demandé le divorce après avoir décidé qu’ils n’étaient tout simplement pas heureux ensemble. Le jour où le juge a accordé leur requête, le couple est sorti main dans la main du palais de justice, toujours amis après avoir arrêté les choses. En 2016, Priscilla a expliqué pourquoi elle pensait toujours qu’Elvis était l’amour de sa vie :

J’avais besoin de découvrir à quoi ressemblait le monde, vraiment, c’était un seul monde. Mais la meilleure chose à propos de notre relation était que nous nous aimions toujours.

Vous ne pouvez pas être n’importe quelle vieille star pour bénéficier d’un traitement spécial à Disneyland. Même en 1962, Disney et son parc à thème se débrouillaient assez bien pour dire à des acteurs comme Vincent Price de botter des rochers s’il voulait entrer gratuitement, mais pas Sophia Loren .

Un jour après avoir remporté un Oscar pour deux femmes en 1962, elle a demandé à visiter Disneyland et le parc a cédé. Elle a passé la journée dans le parc avec son accompagnateur personnel faisant les manèges et vérifiant les attractions avec une piste de photographes qui la suivait.

Selon un travailleur ce jour-là, elle était accompagnée de son mari Carlo Ponti, un producteur de films italien, et a fait autant de manèges qu’elle le pouvait, entrant par la sortie comme des rois.

Ann-Margret était la reine suédoise du cinéma américain des années 1960. Pas seulement une bombe blonde, elle a chanté, dansé et joué – souvent aux côtés d’Elvis. Elle était l’une des rares filles à pouvoir se défendre contre le roi.

Elle n’était pas seulement jolie, après avoir afflué de demandes pour qu’elle se rende au Vietnam, elle a sauté dans un avion avec Bob Hope et a donné vie aux rêves les plus fous des soldats combattant loin de chez eux. Cependant, elle note qu’elle n’a pas exactement reçu la salutation qu’elle pensait recevoir :

J’ai reçu des feuilles de papier avec 3 000 signatures de nos gars qui voulaient que je vienne là-bas. J’y suis allé en 1966. Il n’y avait que Johnny Rivers, le bassiste et le batteur et moi. Nous sommes allés partout. Et puis en 1968, c’était le spectacle de Noël de Bob Hope, et il y avait 85 personnes. C’était donc un sentiment différent.

Nous ne pensons pas souvent à Elizabeth Taylor comme une interprète « méthodique ». Bien sûr, nous connaissons ses mariages et son travail en tant que Cléopâtre, mais il est difficile de penser qu’elle creuse profondément dans un personnage. Cependant, c’est exactement ce qu’elle a fait sur certains de ses plus grands films, même s’il n’a pas toujours été facile de sortir du rôle.

Elle note que lors du tournage de Who’s Afraid of Virginia Woolf avec son mari de l’époque, Richard Burton, le couple a dû mettre au point un système pour sortir du personnage afin qu’ils puissent s’assurer qu’ils passent une agréable soirée à la maison plutôt que de continuer à se déchirer la tête. désactivé:

On sortait tout sur le plateau et quand on rentrait à la maison, c’était comme enlever un pardessus et le laisser au studio. Nous apprenions nos lignes dans la voiture sur le chemin du retour. Heureusement, nous étions tous les deux des études très rapides. Puis, quand nous sommes rentrés à la maison, nous avions jeté George et Martha et nous avions les enfants. Nous dînions avec les enfants tous les soirs et nous jouions avec eux à des jeux, des jeux de mots que nous inventions, et nous nous impliquions totalement dans la famille. Nous sommes devenus Richard et Elizabeth et ça a marché. Nous sommes devenus une famille unie et avons tout oublié des deux [personnages] qui voulaient s’entre-tuer. Et nous avons survécu.

Après l’arrêt des Beatles en 1970, Paul McCartney s’est retiré dans sa ferme en Écosse avec sa jeune famille. À l’époque, lui et sa femme Linda n’étaient mariés que depuis moins d’un an et le voici déprimé et buvant tout en ruminant le manque de possibilités dans sa vie suite à la rupture de son groupe.

Linda élevait leur jeune enfant, Mary, tout en aidant Paul à reprendre confiance en lui alors qu’il commençait lentement à travailler sur de la nouvelle musique. Il a fini par enregistrer ce qui est devenu « McCartney » en secret sur un magnétophone quatre pistes Studer chez lui à St. John’s Wood.

La plus grande chanson de l’album est « Maybe I’m Amazed », une ode à Linda, la femme qui l’a aidé à se remettre sur pied.

Voici la chanteuse rusée Carly Simon, arborant un sourire narquois « Tu es si vaniteux », tandis que la véritable icône du rock Steven Tyler inscrit ses chiffres sur son bras dans cette photographie des annales de 1979. Pourtant, avant que vous ne sautiez à des conclusions , sachez que la chanson à succès susmentionnée n’était pas, en fait, une ode larmoyante au leader d’Aerosmith.

Carly Simon elle-même a avoué qu’un fragment de la ballade de rupture emblématique a été écrit sur l’acteur énigmatique Warren Beatty, avec qui elle a partagé une histoire d’amour tumultueuse semée d’un enchevêtrement d’infidélités. En effet, l’une des transgressions de Beatty s’est produite quelques heures seulement après qu’il ait couché avec Carly elle-même, une vérité amère que son thérapeute s’est senti obligé de divulguer lors d’un rendez-vous à 11 heures. Carly a appris qu’elle n’était pas la première de la journée à raconter un badinage amoureux avec l’acteur capricieux, ouvrant ainsi la voie à l’un des mystères les plus persistants de la musique.

Émergeant à l’aube de la décennie, Fonda a déployé ses talents sur un large éventail de films, produisant une pléthore d’acclamations qui ont abouti à un Golden Globe et à des nominations pour le prestigieux Oscar. Au fil des années, la starlette a atteint des sommets toujours plus élevés, captivant le public avec un portefeuille de succès acclamés qui résonneraient à travers les âges. Parmi ceux-ci, nous trouvons des goûts de « Walk on the Wild Side » et « Cat Ballou », qui ont cimenté le statut de Fonda en tant que nom familier de bonne foi, réputé pour ses compétences inégalées et son charisme séduisant.

Ce groupe de rock naissant, qui s’était fusionné un an auparavant en 1960, avait déjà attiré un public formidable en hantant les enclaves clandestines de la « scène des clubs underground » et en s’aventurant dans une cavalcade de mini-tournées qui s’étendaient sur toute la Grande-Bretagne. Si leurs débuts furent modestes, leur talent et leur ferveur furent tout simplement prodigieux, les propulsant vers un destin de renommée inégalée et d’art incomparable. Car ces quatre jeunes visionnaires seront bientôt connus sous le nom de The Beatles, mêlés à jamais au tissu même de l’histoire musicale.

Voici l’auteur-compositeur-interprète dont l’humour plein d’esprit insuffle une nouvelle vie à des paroles bien-aimées et dont la garde-robe regorge d’excentricités les plus séduisantes. Certes, son penchant pour la satire et la non-conformité vestimentaire a dû germer dans sa jeunesse, car même maintenant, nous pouvons discerner la malice indubitable qui danse dans ses yeux.

Au milieu de la ferveur exubérante du milieu des années 1960, une merveilleuse entreprise musicale est née – The Monkees, une collaboration magistrale de quatre talents indomptables : Peter Tork, Micky Dolenz, Davy Jones et Michael Nesmith. Leur musique, imprégnée d’une énergie vibrante et d’un génie mélodique, a conquis le cœur d’innombrables fidèles à travers le monde, cimentant leur statut de véritables légendes de l’époque. Pourtant, leur puissance de star ne se limitait pas uniquement au domaine de la musique, car The Monkees avait sa propre émission de télévision, qui permettait à son humour et à son charme uniques de rayonner sur les ondes, captivant les téléspectateurs de tous âges. Et bien que les années aient passé et que le monde ait changé, The Monkees restent une véritable obsession culte, leur musique et leur influence traversant les âges, témoignage de leur héritage inimitable.

Dans les annales de la tradition américaine, peu de personnages occupent une place aussi importante que l’Oncle Sam, cette personnification emblématique du gouvernement dont chaque facette a servi d’inspiration aux masses. Et pourtant, peu connaissent l’homme remarquable dont le visage deviendrait le visage de ce symbole bien-aimé. Il s’appelait James Montgomery Flagg, un artiste et illustrateur au talent illimité qui s’est inspiré de sa propre ressemblance pour créer l’inoubliable affiche de l’Oncle Sam qui allait définir une époque. Avec sa barbe distinctive, son haut-de-forme et sa ferveur patriotique, Flagg a imprégné le personnage de l’Oncle Sam d’une verve et d’une vitalité qui ont profondément résonné dans l’âme de la nation, cimentant son statut de véritable icône de l’histoire américaine.

Aux jours naissants du programme spatial, la NASA comptait de nombreux esprits brillants dans ses rangs, mais peu pouvaient égaler l’incomparable Thomas Byrdsong, dont le dévouement inébranlable et le génie innovant se sont avérés essentiels pour propulser les États-Unis sur la lune. Dans les couloirs du prestigieux centre de recherche de Langley, Byrdsong se tenait comme un véritable luminaire, perfectionnant sans relâche son art et recherchant des sommets toujours plus grands de connaissances et d’exploration. Et c’est cet esprit intrépide, cette poursuite incessante de l’excellence, qui a valu à Byrdsong sa place dans l’histoire en tant que véritable titan du programme spatial, symbole du potentiel illimité des réalisations humaines.

Voici le prodigieux Bryan Cranston, dont le portrait inoubliable de Walter White dans la série dramatique universellement acclamée « Breaking Bad » cimenterait sa place dans le panthéon des grands acteurs. Et pourtant, ses talents ne s’arrêtent pas là, car Cranston est un véritable maître du métier, prêtant sa voix à une pléthore de personnages bien-aimés dans des films tels que « Power Rangers », « Kung Fu Panda » et « Madagascar 3 ». Son talent lumineux lui a valu d’innombrables distinctions, des salles sacrées des Prime Time Emmys à la scène des Tony Awards et au-delà, car on ne peut nier la gamme illimitée et l’éclat pur de ce véritable titan de l’écran.

En à peine une demi-décennie depuis leur collaboration fatidique, Gates et Allen avaient déjà fait des progrès prodigieux dans le domaine des logiciels informatiques, leur ingéniosité illimitée et leur perspicacité inégalée leur ayant valu une place parmi les titans du monde de la technologie. Bien que tous deux aient abandonné les couloirs de l’université, ils ont trouvé leur véritable vocation dans la création et l’innovation de la technologie, et leur succès allait bientôt entrer dans la légende. Car Gates et Allen allaient devenir de véritables icônes de l’industrie, leur richesse et leur influence s’étendant sur le monde entier et témoignant du pouvoir absolu de la vision et du dévouement.

À l’époque grisante de l’ère du cinéma muet, peu de gens pouvaient égaler l’ingéniosité et la vision d’Alfred Hitchcock et de sa bien-aimée Alma Reville, dont les collaborations se révéleront cruciales pour façonner le cours de l’histoire du cinéma et de la télévision. Avec leur esprit vif et leur dévouement inébranlable à l’art de la narration, le duo a conçu des scénarios et des scripts magistraux qui ont captivé le public du monde entier, leurs œuvres devenant des classiques intemporels qui perdurent à ce jour. Et à travers tout cela, leur amour est resté inébranlable et vrai, car ils se sont mariés en 1928 et sont restés ensemble jusqu’à la toute fin, lorsque le décès d’Hitchcock a marqué la fin d’une époque et la perte d’une véritable légende.

Au milieu de la promesse étincelante du milieu du XXe siècle, une âme merveilleuse est née – William Sanford Nye, qui allait devenir le présentateur, éducateur et ingénieur en mécanique bien-aimé connu dans le monde entier sous le nom de Bill Nye the Science Guy. Sa curiosité sans bornes et sa soif inextinguible de connaissances ont inspiré des générations de jeunes esprits, et son émission télévisée populaire pour enfants – un mélange magistral de science et de divertissement – allait conquérir le cœur des téléspectateurs du monde entier. Car Nye ne cherchait pas simplement à transmettre des connaissances scientifiques, mais à imprégner les enfants d’un amour profond et durable pour les merveilles du monde qui les entoure, suscitant une passion qui durerait toute une vie.

Voici le merveilleux David Byrne, dont la voix incomparable et le talent illimité en tant que leader, guitariste et auteur-compositeur des Talking Heads lui ont valu une place parmi les véritables sommités du rock and roll. Depuis la formation du groupe à l’été 1975, Byrne et ses acolytes ont honoré le monde avec 8 albums studio d’un génie débridé, captivant le public et inspirant d’innombrables musiciens à suivre leurs traces. Et bien que leur temps ensemble finisse par se terminer en 1991, leur héritage a perduré, aboutissant à une intronisation tant attendue dans les salles sacrées du Rock and Roll Hall of Fame en 2002, où ils se réuniraient une fois de plus, leur musique et la magie brûlant aussi brillante que jamais.

Depuis ses débuts dorés en tant que rejeton d’une riche famille mondaine, Elizabeth Taylor était destinée à la grandeur, sa beauté exquise et son talent inné la propulsant vers les sommets vertigineux de la célébrité de l’industrie cinématographique. Avec des performances emblématiques dans des classiques intemporels tels que « Cat on a Hot Tin Roof » (1958) et « Cleopatra » (1963), elle a conquis le cœur et l’esprit des publics du monde entier, consolidant sa place comme l’une des véritables légendes de la écran d’argent. Pourtant, alors même qu’elle éblouissait sur grand écran, la vie personnelle de Taylor était une frénésie médiatique, alors qu’elle traversait les hauts et les bas tumultueux de sept mariages et divorces tout au long de sa vie.

À l’époque grisante de l’ascension du punk rock vers la gloire, peu de gens pouvaient égaler la puissance brute et l’énergie débridée de Douglas Glenn Colvin – mieux connu des légions de fans sous le nom de Dee Dee Ramone, le chanteur emblématique des Ramones. Avec une carrière s’étendant sur 22 ans et un nombre record de concerts, la voix et l’écriture de Dee Dee ont été la pierre angulaire du groupe, les propulsant au sommet du succès et lui valant le titre de leur mascotte bien-aimée. Et bien que leur temps ensemble touche à sa fin, l’héritage du groupe perdurera, consolidant sa place parmi les véritables légendes du rock and roll avec une intronisation dans les salles sacrées du Rock and Roll Hall of Fame en 2002, suivie de le prestigieux Grammy Lifetime Achievement Award en 2011.

Oh, la légende qu’est Jimmy Hendrix, un sorcier de la musique avec une maîtrise inégalée de son instrument ! Sa dextérité et son sens du spectacle n’étaient rien de moins que des publics magiques et envoûtants avec ses performances électrisantes. Son héritage continue de résonner à travers les âges, inspirant d’innombrables musiciens à repousser les limites de leur art et à explorer les limites de l’expression artistique. Même après son départ prématuré de ce royaume, ses sorts musicaux restent aussi puissants que jamais, jetant un sort de crainte pure et sans mélange sur tous ceux qui les entendent. Vraiment, Jimmy Hendrix était et sera toujours un magicien du son, un véritable virtuose dont l’impact sur le monde de la musique ne sera jamais oublié.

Ah, John Lennon et Yoko Ono, deux âmes sœurs dont le lien a défié les normes de leur époque ! Ensemble, ils ont tissé une tapisserie d’art, de musique et d’activisme, canalisant leur amour et leur créativité dans une force singulière qui a défié le statu quo et inspiré les générations à venir. Leur partenariat était marqué par un profond sentiment de compréhension et de respect mutuel, une connexion magique qui transcendait les mots et les frontières. Avec Yoko à ses côtés, John a trouvé un sens du but et du courage qui ont alimenté sa musique et son activisme, ouvrant la voie à un avenir meilleur et plus compatissant. Bien que leur temps ensemble ait été tragiquement écourté, leur héritage perdure comme un témoignage du pouvoir de l’amour et du potentiel illimité de l’esprit humain.

L’ancienne première dame, mariée au 35e président des illustres États-Unis d’Amérique jusqu’à sa disparition prématurée en 1963. En temps voulu, elle a épousé un magnat grec du nom d’Aristote Onassis en 68, gagnant le sobriquet attachant de Jackie-O. Réputée pour ses efforts caritatifs, ses talents s’étendaient au-delà du domaine de la bonne volonté, car son sens aigu de la mode et du design faisait parler de lui. Vraiment, son héritage perdure comme un témoignage de son esprit aux multiples facettes, un brillant exemple de grâce, de style et de bienveillance.

Quelle occasion légendaire, un moment déterminant dans les annales de l’histoire du concert ! C’est en 1969 que cette extravagance épique a eu lieu, s’étalant sur quatre jours et mettant en vedette les artistes les plus vénérés et avant-gardistes de l’époque, notamment Jimi Hendrix, The Who, Santana et Country Joe McDonald. Tenu dans une ferme bucolique de l’État de New York, la participation a dépassé même les attentes les plus folles des organisateurs, consolidant sa place dans l’histoire comme l’un des moments les plus groovy et inoubliables de tous. Vraiment, les échos de ce festival magique continuent de résonner à travers les âges, un témoignage indélébile du pouvoir de la musique et de l’esprit de la contre-culture.

Là où la soul se mêle à la pop, le mélodieux Gaye, célèbre pour ses vers poignants sur l’affection et la compassion, a croisé la route de Jackson, qui s’était déjà taillé une place dans le monde dynamique et énergique de la musique pop. Après avoir quitté les Jackson 5, il s’élevait vers le sommet de la superstar avec une vitesse à couper le souffle. Bien que leurs styles musicaux aient pu différer, leur impact sur le monde de la musique a été tout aussi profond, enchantant le public avec leurs talents uniques et laissant une marque indélébile dans la conscience collective. Vraiment, leur héritage perdure comme un témoignage des possibilités infinies d’expression artistique et du pouvoir durable de l’innovation musicale.